The Batman (2022)

Siempre he sostenido que para las versiones futuras sobre Batman [y sus historias], el personaje creado por Bob Kane y Bill Finger para DC Comics [sin el imperativo de ser comparado con la interpretación ofrecida por Christian Bale en la trilogía del cineasta Christopher Nolan y otros que le preceden] no está necesariamente en contexto y/o tono alguno, sino en el guion. Y eso es lo que ha ocurrido en el reciente y excelente filme sobre  “The Batman”, escrito por Matt Reeves [director También] y Peter Craig; con el ingrediente majestuoso de la música del oscarizado Michael Giacchino (“Up”, 2010).

Algo a tener en cuenta en esta oportunidad es que el Batman de este 2022 es un personaje más tímido. Aquí Bruce Wayne no evoca su pasado [aunque sí su enemigo número uno en la trama, que le recuerda su estatus de millonario por lo de sus padres] y, sí lo acomodamos a lo más cercano a él [por aquello de los afectos]: su fiel mayordomo Alfred, y que el actor Andy Serkis le transmite gran calidez. De manera que el actor Robert Pattinson entrega pues una desprendida y magistral actuación en su doble papel, si bien este filme de más de tres horas de duración, el que menos tiempo vemos los espectadores es a Bruce Wayne.

Otra consideración muy importante es que la película “The Batman” es un válido desafío por escapar de los clichés de ese cine de superhéroes, para incorporar las formas de la llamada intriga Neo noir; un género de cine que maneja gran parte de los manuales del denominado cine negro, y que si bien, “habla” de asuntos con contenidos actuales experimentados a partir de la parte fenomenológica del propio filme, el método deductivo en el marco de la ciudad de Gotham y redimido por el hombre murciélago [no cometeré spoiler alguno] es verosímil.

“The Batman” en ese [y en otro] orden de ideas, podría ser el filme más sensible de todos los protagonizados por Batman y Catwoman, ya que existe esa luminosidad y lo inevitable que resulta ser y a su vez, ese fatalismo —el desazón ante el despropósito y la ausencia de humanidad—,  de las añejas historias del cine negro, y [en ese sentido, creo] identificar al menos en un inicio, igualmente esos honestos y afables interlocutores  de ese universo, donde “los personajes [todos aquellos que viven en una sociedad como en la famosa “the Gotham city”] deben salir del tópico, diría Hitchcock”.

Además, y según los más estudiosos, “estéticamente se observan elementos que estuvieron ausentes en el cine negro de las décadas de 1940 y 1950”. Asimismo y ahí lo híbrido del asunto en mi análisis particular, entra a formar parte en la película elementos como la crisis de identidad [la timidez y silencio de Batman], cierta vulnerabilidad en general del protagonista y, otros cambios que aparecieron en esta evolución del género relacionados con el tono, sin alejarnos del eje de la investigación.

En la espinosa y nada fácil investigación detectivesca que comienzan Batman y el teniente James Gordon (un valioso Jeffrey Wright), el último prototipo de policía honrado dentro del Departamento de policía de Gotham City, para dar con un asesino en serie llamado Enigma [brutal caracterización de Paul Dano], y que ha tomado la decisión de limpiar aquellos políticos corruptos; la película es un tipo de narración cinematográfica con mayor número de planos, de primeros planos, y algunos espacios limitados, que nos muestra y pone el acento en la investigación y en la deducción lógica [ahí la inteligencia del guionista].

Si en lo que respecta a los tópicos, asunto y estilo, es bien sabido de todos que se atesoran en el cine negro y el thriller en buena parte. Igualmente en “The Batman” el aspecto básico de la vaguedad moral, con lo cual el borde entre lo bueno y lo malo se diluye con el fin específico de descubrir la presencia de una realidad criminal bajo la resignación del individuo y la sociedad [entiéndase Gothan]; el argumento genera una atmósfera que va cercando de manera gradual su ritmo [sinuoso y sin las persecuciones frenéticas del Batmóvil], y el clímax está sagazmente medido para lograr que la atención del público jamás se desvíe.

Por otro lado, “The Batman” como pieza fundamental en la construcción de identidad en “The Gotham City”, en lo que se pudo leer como un claro testimonio a través de un melodrama íntimo [por momentos entendemos la propia interioridad del hombre Wayne y mujer murciélago] y que se observa en el argumento; podríamos pensar en un ecosistema retratado que se sobrelleva más bien como una fenomenología sobre las convulsiones de la época, con episodios de cómo enfrentar un mundo donde todo sigue un orden de destino cruel [El imaginario noir está presente].

A pesar de la voz en off [característica del cine negro norteamericano] y a partir de la cual se construye buena parte del relato [pues se intuye la intención del criminal] y esa focalización interna o cámara subjetiva, insisto: nos guía sobre la base de la tradicional omnisciencia narrativa a través de personajes.  Y lo que logra muy bien el director Reeves es salvar los extremos. Debido a esto, el habitante de la sala de cine identifica muy bien la actitud ideológica de “The Batman”, lo cual [y espero no estar equivocado] deja una impresión de unilateralidad que quizá da solidez a la excelente película.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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O2

 

Muy poco llega a las carteleras colombianas, cine precisamente de esa zona del mundo donde hoy día podría nacer una guerra mundial, con base en los deseos de un Puttin y los recelos de Occidente. De todas formas, algo hay de ese olor en la película y que precede a toda guerra, en un filme aceptable y que, a pesar de un lenguaje inexplorado y hasta raro por los latinoamericanos, la subtitulación parece no ser sufciente.

Es agosto de 1939 y Europa teme una guerra inminente. Solo frente a la Unión Soviética de Stalin y el Tercer Reich de Hitler, Estonia sufre un golpe inevitable cuando el jefe de la inteligencia contrasoviética es asesinado, lo que crea dudas de que hay un topo entre sus filas. Con esta premisa, el realizador estonio Margus Paju sale adelante en este filme cargado de suspense y excelentemente ambientado.

Y es que en como toda historia de espías a la larga, el asunto de encontrar y revelar la verdad, el espía estonio Feliks Kangur (interpretado por Priit Võigemast) será el encargado de dar con todos los interrogantes que el espectador se plantea. Pero también al margen del asunto político en sí [Alemania y la Unión Soviética toman medidas para invadir Polonia] muy bien planteado en el contexto de la trama, el guion no flaquea, aunque sí algunas escenas que por su condición elíptica, puede no entenderse en un momento las pesquisas de Feliks.

Historia pues que resulta válida, aunque por momentos cierta frialdad en sus personajes, permite poco [emocionalmente hablando] acercarse a ellos. Pero inclusive en esta manera de asentar en escena a los personajes, de dictaminar la cuestión, de formular unos hechos; la película estona no deambula en artificiosidad, y por momentos los sentimientos de los personajes, y lo reitero, parecen estar al margen, lo que de pronto no permitió que la película fuera más un thriller psicológico.

De todas formas, para lograr el efecto de una película de intriga, su cineasta modula una tensión compleja en pos de un clímax, de pronto, muy a lo “Casablanca”, con lo que el espectador puede conocer o prever de antemano el desenlace, dándole así, un elemento de alto valor alegórico del filme de Curtis. Asimismo, hay más de un MacGuffin hitchcockiano: [entre otros] la relación  de la joven polaca Maria (Agnese Cirule) que le asienta a la cinta un valor cinematográficamente interesante, aunque aquí sí, sin esa alegoría al filme de Curtis con la inolvidable Ingman Bergman.

Benedetta

La película que hoy nos ocupa es la adaptación de la novela "Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy (Studies in the History of Sexuality)" de Judith C. Brown, que no creo que haya sido leída por muchos, pero sí referenciada por esta recienta película de Paul Verhoeven [recordar su Ópera Prima “Delicias holandesas” (1971), y con el desafío y escándalo que siempre han acompañado a la mayoría de los proyectos que ha abordado, recordemos que el éxito lo conseguiría con su cinta “Delicias turcas” (1973), convirtiendo al actor Rutger Hauer en un auténtico mito erótico de la época y en su actor fetiche].

Respecto a “Benedetta”, es esa película en la que su director ha resuelto desbocarse [por no utilizar una palabra soez] en todos sus caracteres fenomenológicos y ejecutar de forma insolente [a mi modo de ver] todas las ofuscaciones que han caracterizado a una gran parte de su cine: sexo y más sexo con desenfreno, fanatismo, y para este filme: sacrílego [prefiero no cometer spoiler].

Algo a tener muy en cuenta en la película y sin delicadeza narrativa alguna, es esa ambigüedad moral de sus personajes; llevándolos al extremo en escenas cargadas de ese coraje y arrebato instintivo, donde casi todas son coherentes, por un lado, con las para nada escusas alucinantes de Benedetta (Virginie Efira) con un Jesucristo al acecho —o vigilancia— incitando y avivando una descomunal intensidad emocional en su evocación. Por otro lado, la condición humana inmersa en su cotidianidad más vulgar [conviene no dejar de lado a la misma madre superiora, la abadesa Felicita (Charlotte Rampling), una persona con su propia altivez, de mirada inquisidora y gélida, preocupada más en amasar dinero —las dotes— de las novicias].

Con base en el siglo XVII caracterizado por el auge de la monarquía absoluta y la sociedad estamental, de alguna manera la ideología del filme nos muestra una época emocional, donde el ser humano y sus mecanismos existenciales operan [y manipulan] de modo parecido al de una sucesión de parámetros de una vida nada afectiva. Y respecto a los personajes de la trama en sí, nada de recuerdos de un pasado mediano, a través de ese dispositivo inexplicable [el convento a modo de metáfora] por el que no se atesoran en sus memorias cualesquiera identificaciones con mayor claridad aunque, para Benedetta atesora en su interior mucho más que una enérgica y sorprendente intensidad.

Cuando Benedetta y Bartolomea se convierten en amantes entre las cuatro paredes del convento, al mismo tiempo Benedetta a golpe de enigmáticas manifestaciones “milagrosas”, iría ascendiendo en la jerarquía de la abadía, hasta llegar a ser abadesa, a la temprana edad de 30 años; aunque la novicia Cristina [su principal enemistad como en todas las cosas de la vida] no lo acepte.

La historia que si bien arranca con Benedetta de nueve años, es sin vacilación alguna, la caracterización [más adelante del metraje] de un personaje femenino enérgico, provocador y hábil; que con la mirada del espectador de entender qué es lo inexcusablemente determinante en ella, permite comprender la capacidad de sus actos. Además, para remover las raíces de una Iglesia Católica que evidencia en los fotogramas observados: una entidad inmunda y podrida [y no hay tautología]. Y es que igualmente, justo a través de interlocutores de diligencia ambigua como la del nuncio de Florencia (un excelente Lambert Wilson) el responsable de juzgar a monja Benedetta por herejía, conviene no dejar de lado una mirada también inquisidora.

De todas formas, lo que queda claro en definitiva en la ideología del filme “Benedetta”, es que a través de un fanatismo religioso y el carácter lésbico —sin un antecedente cinematográfico cercano—, son dos componentes que, estudiados en la misma cinta sin el impulso de caer en lo melodramático, cursi o redundante, solo consiguen disponer de una apurada polémica y, censurada de blasfema por sectores religiosos [católicos] si  vacilación alguna.

Ante el contexto de la Iglesia, la pasión religiosa y la lasitud de la razón a cualquier indicio de herejía [aunque otros opten el vocablo de heterodoxia].

La herejía adquiere su carácter peyorativo en el momento en el cual un sistema de creencias niega su carácter de tal y se promueve al estatuto de Verdad, más aún cuando dicho estatuto logra ser materializado por la norma jurídica. La resultante de esta promoción es la descalificación inmediata de quienes opinan sobre ella, y la consecuente asociación con términos tales como error, disparate, daño o tormento (Eira, 2008, p. 75)

Unas pocas secuencias a piel descubierta y otras más de suplicios, alaridos y visiones de Benedetta [la puesta en escena de esos sueños, con un Jesucristo homérico y reparador que la salva de los peligros], permiten concluir que el tema en general no es nada fácil. Los placeres de la carne y los sufrimientos del alma, muchas veces a más de un ser humano que habita este planeta lo colocan prácticamente, al borde de la locura.

Referencia

Eira, G. (2008). Elogio de la herejía. Psicología Social. Recuperado de: https://books.scielo.org/id/gbqz7/pdf/rivero-9788599662861-07.pdf  

Uncharted

 

Esta película de aventuras, que plantea a la larga unos buscadores de tesoros perdidos, donde sus protagonistas [Mark Wahlberg como Victor "Sully" Sullivan, el turbio tutor de Nathan Drake] y de cara al público, tienen el carisma y empatía suficiente para creer todo lo que les sucede. Estamos ante una historia pues para pasar el rato y nada más, ante una fábula cardada de mucha aventura y alguna que otra inverosimilitud de la acción, por no decir traída de los cabellos.

Holland se toma un respiro de la web para caracterizar al cazador de tesoros Nathan Drake en esta adaptación cinematográfica de una extraordinaria y popular serie de videojuegos de PlayStation. Con evocaciones muy saludables a lo “Tomb Raider”, “Raiders of the Lost Ark”, de Spielberg y hasta “La búsqueda, con Nicolas Cage”; la película del cineasta Ruben Fleischer hoy en cartelera, se concibe para los entendidos en el tema, como un acomodo visual a un videojuego, pasando tan ágilmente de una pieza de acción retocada, a otra [el cine] donde “tus dedos” precisamente quieren intervenir y no pueden.

Respecto a los personajes femeninos de la cinta, podemos señalar que no se quedan atrás, entendiendo además que son los más inescrupulosos: Chloe Frazer [una magnánima Sophie Ali], la buscadora de tesoros desde hace mucho tiempo, se mantiene al nivel de “Sully” y Nathan cuando se trata de aventuras, y la secuaz de Santiago Moncada (Antonio banderas), Braddock [una Tati Gabrielle, terrible] como una villana próxima a los personajes de Bond.

Sin que haya novedad alguna en este tipo de historias, es que, conjuntamente con la rapidez del montaje, no incrementa agilidad en unos diálogos que, sin que se puedan considerar de inteligentes, al menos son muy ligeros. La búsqueda repleta de claves y pistas sobre la historia y centrada en el rastreo de un inmenso tesoro escondido por algunos de los padres de la patria, el director Ruben Fleischer como pez en el agua, nos remite pues a sus anteriores cintas como “Venom” y “Zombieland”, demostrando que era el director para su reciente trabajo y entiende a la perfección al público al cual se está dirigiendo [no le interesa nada más que observar], dejando además la idea abierta de una secuela.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Eiffel

“Eiffel” la película francesa del cineasta Martin Bourboulon, es una buena apuesta al cine de biografías. Tomando como punto de partida el 31 de marzo de 1889, la historia nos muestra a través de una serie de flash backs, la vida [sobre todo amorosa] de Gustave Eiffel (un excelente Romain Duris) y su gran torre para regalar París. Desde este punto de vista, el filme sigue el hilo conductor a través de su amada, saltando del presente al pasado y viceversa. Eiffel ya era una celebridad de fama mundial [había construido puentes, estaciones de tren y el esqueleto que mantiene la Estatua de la Libertad]. “De acuerdo con "La Torre Eiffel" de Jill Jonnes (una lectura digna para aquellos interesados ​​en la historia de fondo), el joven Eiffel se enfrentó a varias perspectivas de matrimonio, y finalmente consiguió la ayuda de su madre para encontrar una esposa” (Debruge, 2021).

La romántica historia que abarca toda la película, evidencia que el constructor lo hace todo por amor a Adrienne (Emma Mackey). Si bien esto es válido e importante en el guion, todo se circunscribe en la construcción de la torre Eiffel, que como en todas las cosas de la vida, siempre tuvo sus opositores. Película pues bien sencilla en su trama (y con buenos efectos visuales) que el cineasta sale bien librado y a la larga plantea que las luchas e ilusiones del hombre tiene su mérito cuando, se proponen lograr sus objetivos a pesar de todas las adversidades.

Este tipo de películas con la denominación de Biopic, permiten identificar de primera, de qué se trata. Biopic procede de la contracción de los vocablos biographical y picture, en otras palabras, biografías desarrolladas en el medio cinematográfico. Se pueden concretar, por esta sencilla razón, como películas que «instruyen» la vida de determinados personajes. Las biografías que son escritas, muestran unos semblantes narrativos específicos que son largamente almacenados en su tránsito al medio fílmico, si bien el biopic asimismo exhibirá innegables particularidades propias del personaje en cuestión.

No es de extrañar, por lo tanto, que los primeros biopics [sobre todo hollywoodienses] acumularan las importantes experiencias de personajes como científicos, políticos, artistas, etc. [de auténtica aportación a la comunidad en la se desenvuelven y hasta universal]. En definitiva, todo este tema trata siempre de acercamientos bienintencionados en algunos casos y mitificadores e intensamente dramáticas en otros [no así el de Eiffel]. Todo debido quizás, a que el imaginario de la sociedad y europea de 1880, a falta de otros modelos, se nutre del aspecto trágico que impregna [para el caso de París] toda la vida y bohemia parisina cuyo leitmotiv más claro es la filiación que establecen sus propios habitantes.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Death on the Nile (2022)

(El cine whodunit o el arte de descubrir al culpable).

Pero por estas callejuelas tiene que caminar un hombre que no es mezquino, que no está manchado ni asustado. El detective de esa clase de relatos tiene que ser un hombre así. Es el protagonista, lo es todo. Debe ser un hombre completo y un hombre común, y al mismo tiempo un hombre extraordinario. Debe ser, para usar una frase más trajinada, un hombre de honor por instinto, por inevitabilidad, sin pensarlo, y por cierto que sin decirlo. Debe ser el mejor hombre de este mundo, y un hombre lo bastante bueno para cualquier mundo.

                                                                                 Raymond Chandler, El Simple Arte de Matar

 

Sin intentar comparar los dos filmes realizados sobre la novela de Agatha Christie “Muerte en el Nilo”, en primera instancia valdría la pena  aclarar la noción del cine whodunit [cuyo nombre nace como abreviatura de la pregunta ¿who has done it?, es decir ¿quién lo ha hecho?]. Y son las historias donde hay un asesinato, con la presencia de varios sospechosos confinados en un mismo espacio físico [o psicológico en algunos casos]; permitiendo además, algo muy válido: una indagación sobre la naturaleza humana.

Si bien no es un mecanismo obligado, muchas de estas tramas en el cine y la literatura [“La fobia de Molière”, de Restrepo Sánchez, la única en este género en el Caribe colombiano] además se identifican por la presencia de un detective/investigador que se afirma en los indicios de la escena del crimen, pero algo bien característico es su percepción al momento de elaborar prolongadas entrevistas con los eventuales implicados.

Tal vez, los primeros exponentes de este asunto hayan sido Agatha Christie, CK Chesterton y Nicholas Blake [seudónimo de Cecil Day-Lewis], además, obras llevadas al cine como “The 9th Guest” (1934) y “La cena de los acusados” (1934) [una película dirigida por W.S. Van Dyke con William Powell y basada en el libro de D. Hammett]. No dejaría de evocar en este sentido a “Un cadáver a los postres” (dirigida por Robert Moore, 1976), donde tiene una aparición Truman Capote [el escritor tuvo igualmente un cameo en “Annie Hall”].

Recordemos por un momento que Agatha Christie [Agatha Mary Clarissa Miller] nació en 1890, y el auge de las adaptaciones cinematográficas de sus novelas, vienen de muchos años atrás. Así que toda la disposición y aun la “degustación” de “Muerte en el Nilo” como una novela policíaca [cine negro] agradablemente delineada, con su lista de sospechosos deliberados y su detective cuyos poderes de deducción podrían ser claramente heredados de Sherlock Holmes; permiten plantear algunos criterios al respecto. Schrader (1972) sugiere:

El cine negro atacó e interpretó sus condiciones sociológicas, y, al finalizar el período negro, creó un nuevo mundo artístico que fue más allá de una imple reflexión sociológica: un pesadillesco mundo de manierismo norteamericano, que fue de lejos una creación más que una reflexión. Puesto que el cine negro fue antes que nada un estilo, puesto que solucionó sus conflictos visualmente, puesto que fue consciente de su propia identidad, fue capaz de crear soluciones artísticas a problemas sociológicos.

 

Respecto a la película que comienza en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, donde un joven Poirot (Branagh) utiliza su cerebro de detective para salvar a toda una unidad del ejército francés de una muerte segura, aunque todo, y a merced del mismo ser humano, el plan termina dejándole cicatrices a ambos lados de su boca. No obstante, el guion en cada uno de sus tres tercios, maneja asuntos coherentes con la relación mutua entre los seres humanos cuando de ocultar algo [aunque por bizantino que sea los asuntos del corazón] se trate. Y, la otra cuestión, es una de las siete técnicas recurrentes según Paul Schrader: “Hay un apego casi freudiano al agua” [como así asimismo a los espejos, ventanas y otras espacios reflejantes].

En el tercio final con el crimen y cómo se resuelve, el Poirot ilumina toda su lucidez, y sus pesquisas van a paso firme. Jacqueline (Emma Mackey) es la arquetípica heroína: hermosa, aparentemente indefensa, que lleva al detective dentro de la intriga y maquinación, detonando sobriamente sus talentos personales —y su incauto romanticismo— en su perversa búsqueda de riqueza y poder.  

Kenneth Branagh en su trabajo de rescatar la obra de Christie para las nuevas generaciones, lo hace con todos los cánones del género y de un remake con escenas a nivel decorativo válidas. El cineasta británico, cada vez más alejado de las shakesperianas tragedias históricas que fijaron su sublime notoriedad entre la crítica y más proclive al servicio de la maquinaria de los grandes estudios, ha contado con un predecible reparto de estrellas, para emprender este nuevo viaje  a través del Nilo.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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The Eyes of Tammy Faye

 

Cuando la mamá le dice a su hija: “servir a Dios no debería ser una oportunidad de ganar dinero”. Estamos desde bien temprano entendiendo todo lo que quiere decir el filme, aunque no lo exprese tácitamente. En los años 70 y 80, Tammy Faye y su marido Jim Bakker, pusieron en pie hábilmente de la nada, la red de cadenas religiosas más grande del mundo. Pero no todo permanece para siempre cuando la ambición económica y desbordada, invita a caminos que a la larga [si usted cree en Dios] no parece agradarle.

Al margen de esta trama, donde es bien analizado fuera del texto fílmico el poder económico, gracias a los rescoldos y adeptos a un par de pastores de Dios a través de la oración y la palabra del Señor; no deberíamos [supongo] ir más allá de nuestras propias creencias basadas en ciertos iluminados que dicen divulgar la palabra del Todo Poderoso.

De todas formas, y porque “nada de lo humano me es ajeno”, toda la vida de este par de pastores [sean baptistas o carismáticos] observados en el filme, permite no perder de vista, cómo todo a la larga [pues son seres humanos] desemboca en el escándalo provocado por complicados actos de corrupción económica en su gestión de los fondos recaudados a través de su canal televisivo [y sobretodo por la hipocresía del comportamiento de Jim] acabó definitivamente con un recorrido público a comienzos de los noventa.

Tammy Faye es caracterizada por una majestuosa y experimentadamente irreconocible Jessica Chastain, en lo que me permite aseverar que será una clara ganadora los Oscars de Hollywood. La película reposa casi en su conjunto precisamente sobre sus hombros. Un exuberante y, a la vez, patético temperamento. Pero, incluso en esta forma de poner en escena los personajes, de ordenar el caso, de proponer unos hechos, la película deambula en cierto efectismo, enredando turbación con hipocresía.

Lo más interesante de este retrato quizás de esta pareja de pastores es si, realmente la fe y de la persuasión inseparable que había en sus actuaciones era sincera. O todo es una puesta en escena donde se aprovecha de ingenuos seguidores de Dios. Por lo pronto seguir orando, es lo mejor que nos puede suceder. Leer el salmo 91 sugiere Tammy al final de la cinta.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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