FICCI 2025: "Alma del Desierto" llega para abrir el festival de cine

 

Cartagena es y siempre ha sido una ciudad cinéfila. Sus teatros desaparecieron por la gentrificación y la turistificación, pero el FICCI sigue siendo un espacio de encuentro. Que una película dirigida por una cartagenera, con el diseño sonoro de Carlos García también de esta ciudad, marque la apertura del festival es un símbolo de lo que está por venir: nuevas historias, un cine que resiste y sigue transformando vidas.

Alma del Desierto también es un homenaje a la fortaleza de Georgina Epiayú y de la población diversa de La Guajira, que nos recuerdan que no hay obstáculo imposible de superar cuando la humanidad es nuestro escudo. Este festival es también para ellas, para quienes sueñan con hacer cine y para todos los que creen en el poder de las imágenes, los sonidos y las historias”, expresa Mónica Taboada-Tapia.

Con esta selección, el FICCI 64 que se realizará del 1 al 6 de abril, reitera su apuesta por el cine que cuestiona, transforma y emociona. Alma del Desierto llega para abrir el festival con una historia que invita a la reflexión y al reconocimiento de nuestras múltiples identidades en diferentes espacios del país.

"La elección de esta película como apertura del Festival responde a la voluntad de conectar con historias y miradas propias, impulsando el cine colombiano y visibilizando nuevas voces. Esta historia, ambientada en el desierto colombiano y enraizada en una identidad profundamente local, es una muestra del cine que el FICCI quiere promover: narrativas poderosas que hablan desde la región, pero con la fuerza para dialogar con el mundo", aseguran las directivas del Festival.

Fuente y fotogramas: comunicaciones Ficci festival

Un completo desconocido

 

Si tomamos como punto de partida que «Al situar al falso documental en una tabla comparativa con el documental […], la ficción y el docu-drama, señalan que el falso documental es un texto ficcional que aprovecha convenciones y códigos del documental para contar una historia de ficción. Es decir, que habita en un espacio intermedio entre la ficción y la no ficción, en un tercer espacio. Esta idea es lo que denomino “la hipótesis del tercer espacio”» (Aguilar, 2019, p. 44).

Así que el aforismo anterior me permite introducir de entrada que “Un completo desconocido” (2024) de James Mangold sobre la vida del cantante Bob Dylan en ese tercer espacio cargado de la música de un Dylan (un Timothée Chalamet superlativo en esta crónica) inspirado y único. Chalamet lleva a cabo un trabajo extraordinario en el que no es sino el primer biopic autorizado sobre quien a ciencia cierta es el músico más icónico del siglo XX.

 “A Complete Unknown” retoca a manera de crónica, buena parte de su colosal repertorio de canciones, empezando por “With God on our side” (cuando era un perfeto desconocido), “Song for Woody” y finalizando con “Like a Rolling Stone”, dejando que Chalamet contribuya con su propia voz para brindar una versión considerable y verosímil del sonido original —“The times they are a-changin” (1964)—. Además, el intérprete presenta un trabajo aún más sorprendente cuando personifica al músico lejos de los micrófonos, confeccionando una personificación posible sin llegar a la parodia.

En otro orden de ideas, “A Complete Unknown”, ha vuelto a poner sobre la mesa una de las relaciones más fascinantes y complejas de la historia de la música: la que vivieron Bob Dylan y Joan Baez (conocida como “la Madonna descalza”). Esa relación fue intensamente significativa, no solo para sus carreras, sino para el horizonte musical de los años 60. La cinta y es válido reiterarlo explora esta unión que combinó amor, colaboración artística y desencuentros; de manera que el filme es una evidencia más de cómo el amor y el desamor consiguen inspirar algunas de las obras más famosas de la música.

Así, “A Complete Unknown” podría ser un ejercicio de subjetividad en la que la cámara de Mangold y la mirada musical del intérprete se unen con el fin de inspirar al espectador y lanzarlo a un viaje delirante y nada enorme del que no va a salir apaleado. Mangold diseña un torrente de imágenes nada frágiles sobre canciones que hunden la pantalla con su armonioso despliegue de arpegios y letra nada excesivos e interesante. Y, en ese proceso, pone a prueba los límites de un público sobre la sobredosis (a veces) formal a la que se ve expuesto para volar libres por el cielo de la abstracción (me refiero a la letra y la música).

Y para concluir, este filme demanda al espectador levantando su voz, frente a las voces musicales allí escuchadas. Y es ahí donde la cinta juega con todo su potencial desplegando esas “miradas” sin estar por encima de los individuos sometidos a ella. ¡Ah, por favor! Joan Baez como la única mujer más cercana a Dylan teje un tapiz de contundentes emociones que tienen mucho más que ver con el reclamo de un legado de pronto intangible.

 

A cien años de su nacimiento: Sam Peckimpah, El poeta del ‘western’ crepuscular

 “Nacido hace un siglo, Sam Peckimpah (21 de febrero de 1925) ha pasado a la historia como Bloody Sam (el 'Sangriento Sam'), por la violencia de sus filmes. Su influencia ha dejado marca en las superproducciones de muchísimos directores actuales, como puede ser Quentin Tarantino, al lograr subvertir el género implementando dos elementos novedosos: la violencia extrema y la humanidad marchita de sus personajes. 

Los protagonistas de su obra maestra, Grupo Salvaje, empiezan siendo unos despiadados forajidos que logran convertirse en héroes para, finalmente, descender a la categoría de mártires. Sus personajes son, en ocasiones, unos pringados que ansían rozar ese concepto tan arcaico y ligeramente machista que es el honor, pero que se ven forzados a cambiar el rumbo de sus pasiones para sobrevivir en un mundo brutalmente nihilista. Grupo Salvaje (1969) trastocó la moral hollywoodiense; y Peckinpah, su director, quería que se viera. Algunos críticos la consideraron "la película más violenta que se haya filmado jamás".

Jorge Molinero López.

Fuente y fotogramas: https://www.msn.com/

“Septiembre 5”

 

La película “Septiembre 5” si bien no es un remake, es una magnífica coproducción entre Alemania y Estados Unidos dirigida por Tim Fehlbaum, que narra el principal suceso de los Juegos de Múnich en 1972. Aparte de las siete medallas de oro ganadas por Spitz: el secuestro por parte del grupo terrorista palestino “Septiembre Negro” de 11 atletas israelíes en la villa olímpica —lo que terminó llamándose la Masacre de Múnich.

Una película con un punto de vista especial, pues se relata desde fuera de los escenarios olímpicos, y porque, además, resulta de lo más singular: sus protagonistas son los periodistas de deportes de la cadena estadounidense que cubrían el evento y que, ante el asombro del mundo y las dudas de sus jefes, tuvieron que reconsiderarse por un día en periodistas de investigación.

Este tema ha sido llevado dos veces al cine, una por Spielberg y ficcionada, otra en clave de documental, y podríamos decir que la que hoy nos ocupa en falso documental.

Muy poco puede expresarse de estudios dedicados únicamente al argumento del falso documental previos a la publicación del libro de Craig Hight y Jane Roscoe, Mock-documentary and the subversion of factuality (2001), que como todo libro pionero en un campo, es tomado como el canon a partir del que se construye la crítica y comprensión del fenómeno, ya sea para alinearse o distanciarse de sus aproximación (Aguilar,2019).

Volviendo al filme de Fehlbaum dos cosas específicamente a señalar. Por un lado, la clase magistral de periodismo investigativo en televisión sobre este caso específico y el tratamiento de la inmediatez de la noticia, que por aquella época era tema de debates en las facultades de periodismo. Y, por otro lado, el montaje (este filme hoy analizado es mi favorito en esta área). Una extraordinaria yuxtaposición de imágenes acordes a un tempo y ritmo en el que sucede una noticia de tal magnitud.

En cuanto a la idea de haber llevado este tema hoy día a la pantalla, resulta interesante desde el punto de vista (e insisto) periodístico. Y para resumir lo que quiere señalar simplemente evocar “Good Night. And Good Luck” (2005), de George Clooney. El filme acopia los medios de comunicación desde una mirada comprometida.

Además, refleja una televisión que se aparta de intereses políticos o económicos para ajustarse en los valores periodísticos. Incluso el empresario del medio también es cercano a ellos. La trama nos lleva hasta los inicios de la televisión en EE.UU. (años 50). Hay una exploración entonces de métodos y estrategias para saber valer al máximo el nuevo medio. El filme destella cómo eran las formas radiofónicas impuestas en la época las que serán trasladadas a la televisión.

La habitación de al lado

 

Podríamos empezar escribiendo que no crea usted que nos vamos a encontrar con el Almodóvar de siempre o como usted siempre lo percibió en su cine. En esta ocasión ha llevado a la pantalla el libro “What are you going through” se Sigrid Nunez para que tengamos sin tanto artilugio (muy válido en su cine) un diálogo abierto entre la vida y muerte a partir de Ingrid y Martha quienes fueron muy amigas en su juventud (encarnadas por Julianne Moore y Tilda Swinton respectivamente). Diálogos sin diluirse entre bifurcaciones verbales de quienes tienen que aportar un testimonio justo de sucesos personales (los flash back en el filme) y se concrete por sus invariables significaciones, y pláticas sin ese gesto caótico con el que esparce sus secuencias sobre la pantalla. 

En lo estrictamente cinematográfico destacaría la música de un inspiradísimo Alberto Iglesias y un guion escrito por el mismo Almodóvar, con marcado acento de adultez y poesía en esos diálogos sobre la cotidianidad, la vida y la muerte. ¿Cómo encontrar la verdad entre ese discurso vencido y entonado por el existencialismo? Interrogaciones posiblemente sin objeción alguna y menos ahora, cuando la vida misma y sin ese devenido eslogan publicitario de que todo va de prisa, domina cada puesta en escena en lo fundamental. La narración pues entre las dos amigas sobre sus pasados y presentes tienen como nexos lo que remarca la idea de esa suerte de realidad gobernada por el azar cuando de recorrer la vida se trata y se amuralla. La ideología y los intereses eternamente van por delante de lo humano.

Un Almodóvar pues exquisito en su sencillez y sin complicaciones en su puesta en escena, brillan dos actrices ya maduras, para unos diálogos que son creíbles y sobre todo esa nieve que vemos y sentimos al final del filme, y que nunca dejará de caer tanto en la vida como en la muerte.

 

 

Amenaza en el aire

 

Hay películas donde el spoiler no afecta para nada el visionarla. Otras en cambio es preferible no cometerlos. En este caso la verdad no importa si hay o no spoiler en su análisis porque no es lo fundamental. Y es que en el interior de un pequeño avión Cessna, es donde tiene lugar la mayor parte de la acción.

Y con el patético viaje aéreo de un ayudante del alguacil de los Estados Unidos, un testigo “conectado” con la mafia, y un piloto que a la postre es un asesino a sueldo, “Flight Risk” alcanza su cometido de ofrecer algunas turbaciones a gran altitud, yo diría que en su hora y media de ritmo y sin soplo de vida. Hasta aquí esta reseña donde todo lo demás parece acartonado y estereotipado. Los efectos especiales la convierten en esos filmes y sus cánones de los thrillers aéreos.

No obstante, Gibson mueve todos los hilos de la acción de manera tan rápida y eficaz, que realmente no tienes tiempo para más nada. En este sentido, el director cuenta con el favor de Wahlberg en su primer papel realmente villano desde algún título de su filmografía que no recuerdo. El actor —que de hecho se afeitó la cabeza para el papel— (parece más falso que una gorra calva), se apoya en la maldad de su personaje de manera tan extravagante que hace que se pierda un poco el tono de thriller.

No hay mucho más que expresar al respecto y Gibson hace un producto comercial y flojo. Para cuando “Flight Risk” nos lleva a una conclusión (y debe serlo) todo parece haber sido una tomadura de pelo. Un filme para olvidar. Algo más, siempre aprendemos más de los malos filmes que vemos, que de los buenos.

Primer trailer de AVATAR 3 (estreno en diciembre de 2025)

 

Como James Cameron va con mucha previsión con esta saga, ya sabemos que la fecha de estreno de 'Avatar 3' será el 19 de diciembre de 2025, un año más tarde de lo esperado el día que se estrenó su predecesora. Lo que no hay duda es que la crítica de 'Avatar: El sentido del agua' y sobre todo sus increíbles números de taquilla auguran un futuro prometedor para la saga. Fuente y fotogramas: https://www.fotogramas.es/