El ministro de propaganda

 

Una vez más, observada la película, llego a la conclusión de que política y verdad (parafraseando a Arendt) nunca fueron buenos amigos. Así que este filme alemán, dirigido por Joachim Lang (Cranko, Mack the Knife) lo afirma a través de la figura de Joseph Goebbels, la figura protagonista de “El ministro de propaganda”. Un auténtico mago de la propaganda, del poder de la imagen.

Y de eso va la película. Al margen de los asuntos políticos y propagandísticos, también observamos una personalidad y habilidad para promocionar en muchas ocasiones “falsas verdades políticas” y relacionadas con Hitler.  Esta excelente película alemana, destaca precisamente por un montaje que yuxtapone diversos documentales, material de noticias y películas de propaganda nacionalsocialista de aquella época (como la famosa “El triunfo de la voluntad” de Leni Riefenstahl o “El judío Suss” de Veit Harlan).

A lo largo de sus 135 minutos de metraje, conocemos a los individuos que hubo detrás de todo aquello, verdaderos asesinos, aunque pudo haber sido más en el contexto historiográfico, ya que muchas cosas las conocemos. De todas formas, Goebbels, interpretado de forma brillante por Robert Stadlober (“Summer Storm, Enemy at the Gates”), es descrito como un individuo fraccionado entre su compromiso como hombre de confianza del Führer, sus deberes familiares y sus vicios y placeres (líos de faldas incluidos, por supuesto). A Adolf Hitler lo interpreta Fritz Karl (“Fear of Heights, Di Patin”), concediendo a la figura histórica de apariencia y veracidad en un papel que históricamente ha sido riguroso para muchos histriones.

Sin mirada autoral viene dada por la forma de contarnos el asunto, y asimismo por los semblantes, digamos, tonales. El campo de batalla (política-verdad, manipulación- prensa) de esta lucha pomposa por momentos de Goebbels se encuentra en casi todo el metraje. En este entorno, a la larga tan anticlimático se ocultan los mensajes que Hitler siempre quiso tener, los cuales, con un acento y una solemnidad muy paródicos, a la larga un recital de diálogos en los que mencionan la épica de una misión sin éxito.

Frente a una invariable tensión bélica hacia Europa, en la que se hallan las partes comprometidas (Goebbels- Hitler), va ampliándose y dejando víctimas por el camino, hecho que despertará para la historia el recelo de dos no muy avispados personajes ya que resolvieron sus errores quitándose la vida respectivamente. Pobre final.

“Afterburn”

 

Una película más en el contexto de floja y sin medir parámetros más acordes a un cine de acción menos cargado de clichés. La idea a la postre es que este filme se parece a muchos pero a su vez a ninguno por esa falta de innovación en la trama cargada de mismos arquetipos ya establecidos en este cine de popcorn.

El resultado más corriente de esos malos resultados suele ser una película como ésta, en la que el múltiple campeón de lucha libre Dave Bautista expone una vez más que no hay una relación directa entre este prototipo, carisma y el ex stuntman. J.J. Perry, por su parte, ofrece la certeza final de que no es lo mismo concebir efectivamente una persecución entre autos competitivos que ejecutar un film.

Como podemos observar, un relato lo sobradamente elemental como para que se pueda mantener el “scrolleo” por redes sociales, Una película pues que es una road movie postapocalíptica, en la que nuestro protagonista va de lugar en lugar buscando un objeto que nada tiene de maravilloso. Sin embargo, el relato se las arregla para estancar en todo momentos, que nada podría suceder.

“Afterburn” es una película que intenta combinar muchas cosas y no le sale bien en casi ningún caso. Toma elementos de “Mad Max”, de Doomsday (o de otras creaciones de serie B) protagonizadas por el propio Bautista —nos recuerda también a “Tierras Perdidas”— y las ajusta para brindar un fingido espectáculo de aventuras y acción que no cumple en ninguno de los casos, del espectacularidad.

 Dejándonos con la impresión de producto anodino y aburrido por momentos, que no cumple con lo que una película así puede ofrecernos, debenos al menos reconocer gallardía y buen ritmo. Al menos, con acción desordenada o con un humor desatinado, el filme sería bastante mejor.

Predator: Badlands

 

De entrada podríamos plantear que este «Depredador» (John McTiernan, 1987), causaba tanto susto, que el de hoy día y cuarenta años después, resulta ser más un amigo. ¡Sí, y no les estoy mintiendo! Si bien el asunto así visto parece interesante, cabría añadir a modo de ilustración que Dan Trachtenberg (el director del depredador actual) nos hizo retroceder hasta los tiempos de la Nación Comanche en “Predator: La Presa”, revelando que los “yautj” no solo vinieron a la Tierra para hacer que Arnold Schwarzenegger y Danny Glover tuvieran un bravo encuentro. Pero vayamos por partes:

Ambientada en el futuro desde un planeta remoto y letal llamado Genna, aparece Dek ((Dimitrius Schuster-Koloamatangi), un joven Predator que su fiero clan y su padre margina por ser considerado un tipo débil. Pero Dek, dispuesto a mostrar todo lo contrario. En ese camino, este personaje tendrá un aliado importante y es el androide Thia. Además “Predator: Badlands” se describe por su aludido enfoque: no hay ningún humano en toda la película.

Hablando de Genna tiene paisajes increíbles, pero todo, y me refiero a absolutamente todo, es letal. Una localización creada por Alec Gillis (Depredador) y Dan Trachtenberg. Creería que el filme tiene el sello de la casa Disney, aunque no se si para bien o para mal. El personaje de Elle Fanning sirve más como alivio y da cierta comicidad. De todas formas, no hay una mirada autoral, y también figamos que por los aspectos, digamos, tonales. “El campo de batalla” de Dek y su lucha grandilocuente se encuentra en una región a la postre inhóspita.

Dan Trachtenberg ofrece pues, no tanto una mirada personal al género de la ciencia ficción, pero se permite caprichosamente nutrirse de sus referentes principales. Las obras de las que se sirve, creería que “Dune” (la de Lynch), entre otras. Quizás podría llegar uno a pensar que esto se trata de una carísima broma. Sin embargo, en un análisis más detenido, acabamos apreciando, por una parte, el franco aprecio por estos y otros filmes similares, por su épica y su panorama.

“No hay otra opción”

 

“No hay otra opción” es una adaptación de la novela “The Ax” de Donald E. Westlake, que ya fue llevada al cine en la película “Arcadia”, dirigida por Costa-Gavras en 2005. De manera que esta nueva película del célebre Park Chan-wook, una vez, más demuestra su categoría y que en esta ocasión bien podemos de entrada calificarla de excelente. El director coreano de “Oldboy”, “La doncella” y “Decisión de marcharse” reluce esta historia con un sarcasmo delirantemente divertida (a lo “los hermanos Coen”), pero sobre la perturbación que crea un despido laboral.

Park Chan-wook está en plena forma, con un humor cáustico, estamos frente a esta deliciosa comedia negra (“No Other Choice”), y una experiencia más en ese progresivo mundo de realidades que sugieren que, Park Chan-wook podría ser el cineasta más “refinado”. Así que “No Other Choice”, nos describe una serie de situaciones o personas inducidas por esa necesidad extrema y falta de reflexiones factibles, en torno a esas relaciones de usufructo o sumisión. En tal sentido, esa falta de expectativas aviva un ambiente en el que una parte se favorece a expensas de otra.

Así que a través de la emoción de un hombre idiota como detonante o conductor de la historia (igual que Oh-Daesu de su obra de culto generacional “Oldboy” (2003), el realizador bebe de uno de los elementos principales del cine de thriller y comedia negra: gente bienhechora pero idiota ejecutando actos deleznables (crímenes por ejemplo).

Pero este también, thriller, Park llevaba más de 20 años queriendo hacer este filme, tiempo durante el cual todos estos temas (la pérdida de empleos) siempre, siempre han estado presente. De todas formas este filme más que cuestionarnos si funciona como base en el argumento, quizás la extravagancia desmesurada del enfoque de Park, tal vez, necesita un cuidado especial: un hiper vehemente (implica descubrir ímpetu y pasión en nuestras acciones y pensamientos), impulsivo y cómico thriller en torno al capitalismo cruel.

Frankenstein

El cineasta mexicano Guillermo del Toro ha convertido el imaginario habitual en su acercamiento al Víctor Frankenstein y su criatura (interpretados por Oscar Isaac y Jacob Elordi) con un componente un poco más realista en relación con otras versiones cinematográficas sobre el personaje de marras.

En esta ocasión, del toro toma un guion interesante, a partir de una con base en un tríptico. Primero un preludio situado en 1857, con una embarcación varada en medio del hielo (se encuentra el cuerpo maltrecho de Víctor y la presencia aterradora de su criatura). Segundo bloque donde observamos a modo de Flash Back la vida de doctor Frankenstein y el tercero nos relata la vida de la criatura.

La clave de todo está en que a partir del hecho de que la cámara plasma un innegable mundo como el que observamos y nos brinda en este caso tres puntos de vista en el tríptico ya señalado. Hay que reconocer, eso sí, que casi este “dispositivo narrativo” (además del Flash back que igual apreciamos) bebe de aquella fenomenología cinematográfica, recordando además —a modo de énfasis—, la fenomenología francesa que surgió de Mitry, de Merleu-Ponty. ¿Qué quiere esto decir? Que una vez observada la película, podemos atribuir experiencias sensoriales en el contexto de la filosofía y la psicología (solo basta determinar aquellos cineastas del género de la Hammer y los sentimientos entre personajes como la criatura y Víctor de la obra de Mary Shelley).

Y es que una vez que nos hemos familiarizado a mirar “lo que hay en el interior del encuadre”, y una vez que la vida nos va arrebatando también la certeza en que las cosas siempre van a estar presentes ante nosotros, surge una segunda lectura del funcionamiento del cine: aquello que no se muestra, pero que simboliza (en este caso los sentimientos, anhelos y emociones de la criatura hacia Frankenstein), y es la razón principal o el eje sentimental —no exteriorizado durante el metraje— en esta buena película del mexicano Guillermo del Toro.

 

Americana

 

Su estreno mundial tuvo lugar en South by Southwest el 17 de marzo de 2023, pero no se estrenó en salas hasta más de dos años después, el 22 de agosto de 2025. Y es por eso que propongo esta cinta para su gusto y de entrada la calificaría como un “neo-western” (un thriller policial de humor negro que por momentos logra ciertos objetivos).

El director Tony Tost (también guionista) dirige un diálogo trasparente, que vigoriza lucidamente a cada interlocutor con sus fortalezas, pero con acentuado ritmo y esas subidas y bajadas de la narrativa, pero jamás derrochándose inexcusablemente en esa apetitosa y confusa (por momentos) mezcla.

Si bien, Paul Walter Hauser (interpreta a Lefty Ledbetter), un hombre experimentado de gran corazón que vive una vida sencilla, y tiene una amistad con Penny Jo Poplin (Sydney Sweeney), una mesera tímida en un restaurante de un pequeño pueblo; de pronto una subtrama (o de pronto, no), nos inclina a poner atención a un elemento no visto de entrada: una rara camisa de Lakota Ghost (prometo no cometer spoilers).

La película pues acompañada de música country, es de esos filmes que del que se siente estar inspirada en “Sin país para viejos” o “Un plan simple” (1988) y una cámara con el pulso de directores como Altman, y los hermanos Coen, aunque el director de “Americana”, Tost, ha señalado la película de “The Sugarland Express” de Steven Spielberg como una influencia reveladora. De todos modos, una camiseta robada, un niño que se cree reencarnado y una serie de crímenes nos mantienen con los ojos bien abiertos.

Y todo para concluir que nuestro cineasta abordando con mesura y creatividad los argumentos y concepciones sociales y culturales de América, se estima un esmero que transige y enaltece su carácter clásico de siempre y sus vecindarios. La transformación creativa de “Americana” tributa una “luz y una sombra” muy necesarias a una narración sencilla, haciéndola concebir impar.

Una casa llena de dinamita

 

Excelente película de la cineasta ganadora del Oscar, Bigelow, donde retrata el protocolo de la Casa Blanca ante un ataque atómico en un palpitante ejercicio de cine de suspense o un ‘thriller’ político, alejado de estándares sobre este tipo de films. Y me refiero un poco a Roland Emmerich o como a la alarmante impresión de que la cosa se acaba de la mano de series como “El eternauta”.

Coincido con otros críticos que la película o mejor dicho, Bigelow cuenta su historia desde tres puntos de vista. El primero da el protagonismo a una altivez de Rebecca Ferguson. El segundo cuando el asunto de la trama es abarcado principalmente de generales en el búnker con Tracy Letts. Y el tercero queda en manos del presidente, que no es otro que el actor Idris Elba. Desde esta observación todo anda en aceleración constante contra el apocalipsis y de verdad: ¡no hay nada que hacer!

Film pues donde todo muy fluido y armónico, fruto de una puesta en escena virtuosa y muy afín con lo referido. El primer capítulo es, de los tres, el más enigmático, aquel en el que están más presentes los enginas a resolver y que parece no hay nada que hacer frente a la inminencia del fin del mundo.

El segundo capítulo plantea a través de generales y nada, pero nada de temas trascendentales, una idea que se le abona a los guionistas y sin ese “triunfo” pro americanista que se observan en otras películas con sentido más comercial.

Y el tercer capítulo, pese a ser el indudable inicio de la trama de alguna manera, es el que aportará nulas respuestas a los múltiples enigmas (o la larga para este servidor, uno) presentados a lo largo de la proyección. Y es que a la larga todos somos protagonistas. Y es que ese misil con ojiva nuclear dirigiéndose hacia Chicago (en lo que va a ser el bombazo de una tercera guerra mundial). Bigelow tiene la capacidad de franquear de la disyuntiva general a la particular por lo que concierne a los implicados, a la postre gente muy corriente en deberes importantes. Película altamente recomendada.