Amenaza en el aire

 

Hay películas donde el spoiler no afecta para nada el visionarla. Otras en cambio es preferible no cometerlos. En este caso la verdad no importa si hay o no spoiler en su análisis porque no es lo fundamental. Y es que en el interior de un pequeño avión Cessna, es donde tiene lugar la mayor parte de la acción.

Y con el patético viaje aéreo de un ayudante del alguacil de los Estados Unidos, un testigo “conectado” con la mafia, y un piloto que a la postre es un asesino a sueldo, “Flight Risk” alcanza su cometido de ofrecer algunas turbaciones a gran altitud, yo diría que en su hora y media de ritmo y sin soplo de vida. Hasta aquí esta reseña donde todo lo demás parece acartonado y estereotipado. Los efectos especiales la convierten en esos filmes y sus cánones de los thrillers aéreos.

No obstante, Gibson mueve todos los hilos de la acción de manera tan rápida y eficaz, que realmente no tienes tiempo para más nada. En este sentido, el director cuenta con el favor de Wahlberg en su primer papel realmente villano desde algún título de su filmografía que no recuerdo. El actor —que de hecho se afeitó la cabeza para el papel— (parece más falso que una gorra calva), se apoya en la maldad de su personaje de manera tan extravagante que hace que se pierda un poco el tono de thriller.

No hay mucho más que expresar al respecto y Gibson hace un producto comercial y flojo. Para cuando “Flight Risk” nos lleva a una conclusión (y debe serlo) todo parece haber sido una tomadura de pelo. Un filme para olvidar. Algo más, siempre aprendemos más de los malos filmes que vemos, que de los buenos.

Primer trailer de AVATAR 3 (estreno en diciembre de 2025)

 

Como James Cameron va con mucha previsión con esta saga, ya sabemos que la fecha de estreno de 'Avatar 3' será el 19 de diciembre de 2025, un año más tarde de lo esperado el día que se estrenó su predecesora. Lo que no hay duda es que la crítica de 'Avatar: El sentido del agua' y sobre todo sus increíbles números de taquilla auguran un futuro prometedor para la saga. Fuente y fotogramas: https://www.fotogramas.es/

How to Have Sex

Valioso debut de la cineasta británica Molly Manning Walker sumergiéndose en la dudosa iniciación al sexo de una chica durante unas vacaciones desordenadas con sus amigas. Con base en esta precisa algunos criterios a compartir:

El cine adolescente es un subgénero en sí mismo, gracias fundamentalmente a filmes de Hollywood que descubrían a jóvenes salidos un poco de sus casillas, y sublevados por las hormonas. Normalmente estos chicos estaban ofuscados por perder su castidad y se centralizaban en el baile de fin de curso o en las vacaciones.

Es decir, el sexo como fin, como objetivo de desarrollo, sin márgenes en el relato, y todo se reducido a un humor ramplón y a un ritmo de escenas de alcohol, festividad, sexo malogrado y definitivamente, ese polvo como culmen del paso a la edad desarrollada.

“How to have sex” es una cinta absolutamente nueva. Y lo es y que su directora observa y determina a la adolescencia, negándose a mostrar aquellos lugares comunes que la emperifollan. Es más, confiere otro “vestido” a la adolescencia y pensar que ello es una etapa de la vida (¿para el personaje Tara y sus amigas?). Pero, donde sospechábamos aquellas eternas noches de fiesta, alcohol y sexo, descubrimos, en efecto, tales sospechas, pero con la honestidad algo desabrida de lo seguro, de lo desalmado y de lo desconocido, pero a través de una cámara que las sigue de cerca, pero, con incondicional sumisión y con el designio de introducirnos de lleno en sus festejos y sus mentes. El ambiente es ocurrente, neón, estrepitoso, y posiblemente por eso, asimismo es opresor y complicado. Es necesario observarlo así de cerca.

Oscar 2025: “Flow”

El joven animador Gints Zilbalodis al encauzar su segundo largometraje, protagonizado por aminales, saltó a la fama con la película “Away” que escribió, dirigió y animó en solitario. Ahora, con todo un equipo, resulta válido que su siguiente film sea aún más ambicioso. La película es visualmente contundente. Zilbalodis y su equipo de trabajo prefieren contrastar la animación de sus personajes (con movimiento animal fidedigno), y con diseños totalmente elegantes y delicados.

Mientras que “Away” trata de la soledad, “Flow” trata de la amistad y el afecto, la complicidad y la nobleza. El título del filme si bien es un título literal, la historia a la larga metaforizada trata sobre cómo conocemos y nos concebimos amigos de los disímiles individuos en tanto que la vida fluye, trasladándonos a esos destinos inexplorados sobre la base de muchas experiencias y penas.  Todos estos animales son alusiones a esa variedad de amistades que irás encontrando en la vida: el tonto, el haragán, el tozudo. Inclusive aquellos que son significativos tenerlos en la vida por aquello de que nos ayudarán en cualquier momento y por difícil que parezca,

Una metáfora pues de la vida como ser humano, pero en esta oportunidad, narrada por medio de un incidente protagonizado por distintos animales en un mundo insólito y algo chocante. Esta cinta es totalmente libre de diálogos y ostenta el estilo de animación característico de Zilbalodis. Además, esa impresión de riesgo es todavía más perspicaz debido a lo realistas que parecen los animales, sirviendo la angustia que nos engancha cuando vemos animales en disputa.

En algunas de las secuencias más penetrantes de la cinta, la cámara (a modo de plano secuencia) se desliza junto al gato protagonista, pero, asimismo, en planos y contraplanos sin aliento mientras el animal huye de una manada de perros o aquella en que casi se ahoga bajo las olas. Aunque, “Flow”, que está en sintonía enternecedora con los instintos primarios de sus interlocutores, es recomendada para ver en familia.

2025: Nueva película de Steven Soderberg: Presence

Cuando oímos el nombre de Steven Soderbergh, tenemos claro que algo chulo está de camino. Este director, que ha tocado casi todos los géneros posibles, tanto drama hasta la ciencia ficción, ahora se mete de lleno en el mundo del terror con Presence. 

Si has visto películas como Erin Brockovich, Contagio, o la saga Ocean’s, ya sabes que Soderbergh tiene un don para darle un giro único a cualquier tipo de historia. En esta ocasión, no se queda corto. Con Presence, el director nos propone ver una clásica historia de casa embrujada desde un ángulo totalmente innovador: el punto de vista del fantasma.

Fuente y fotogramas: https://www.avpasion.com/

Un hombre diferente

 

Ahora, desde el punto de vista publicitario el filme, el personaje, lo británico, etc., encara toda una publicidad casi que sin igual. La experiencia de todo esto es cómo mantener una marca, y el filme es una cátedra al respecto. la marca, en todos los sentidos. Porque esta película demanda que nuestro ídolo (una vez más una creación CGI realizada sin igual con la voz de Ben Whishaw) deje detrás los jardines de Windsor y retorne a su tierra nativa, y dado que su ralea adoptiva (los Browns), vienen con él, significa muchas cosas. En fin, un filme, insisto para toda la familia.

Adam Pearson es todo un personaje. Y para manifestarlo se presentó en la Berlinale con su neurofibromatosis muy horondo y muy majo. Y aclarando que “A different man, de Aaron Schimberg”, no está interpretada por él sino por Sebastián Stan (como Edward); no es un melodrama ni tampoco una comedia o una farsa, aunque por instantes, turba, entristece y muchos otros sentimientos en nuestro estado de ánimo.

¿Qué decir de Edward? Es un individuo retraído y considerablemente ermitaño, cubierto de un caparazón y acongojado por su aspecto físico. Pero. aparte de este hombre actor de profesión y cargado de todo tipo de desasosiegos, a la postre creo que el filme habla de la belleza, que no es fea, pero tampoco bella o todo lo contrario: habla de la fealdad, que no es bella, pero tampoco fea. ¿Entonces, qué es? Intentaremos aproximarnos a toda un hermeneútica respecto a la belleza a mi modo de entender la ideología del filme, Primero creo reconvenir que esta tercera película del estadounidense Aaron Schimberg, podría ser una comedia cínica a la larga.

Y evocando el “Ensayo sobre la fealdad” de Umberto Eco, la fealdad, como lograremos ver, no ha sido concretada y definida por filósofos y expertos en florecientes compromisos sobre ello, sino en reticencias marginales, por esto, una historia de la fealdad no puede asentarse en evidencias teóricas, sino en la misma representación visual y verbal de cosas y personas estimadas feas. Alzuru (sin fecha) sostiene que “[…] siguiendo a Nietzsche, el hombre se pone a sí mismo como norma de la perfección, lo bello es lo que le devuelve su imagen y, en consecuencia, a lo que evidencia su degeneración (agotamiento, pesadez, senilidad, cansancio, envilecimiento, convulsión, parálisis, disolución, descomposición) reacciona con el juicio de valor “feo” (Eco, 2007, 15)” (pp. 1-2).

Algo más para el debate, pero en el filme: la trama logra un manto de laberinto al indagar las consecuencias [de lo feo a lo “bello” en la fisonomía de Edward], y de cómo puede uno mismo correr ese peligro de eternizar ser infeliz a pesar de obtener lo que desea. Y la ofrenda de ese bienestar que sujetaba el deseo aún no satisfecho, no fuese más que un espectáculo.  Aquí cae muy bien aquella sentencia del pintor suizo Paul Klee: “ser feliz significa percibirse así mismo sin temor”.

A partir de aquí, las adversidades del nuevo Edward —que ahora se llama Guy—, con una nueva fisonomía, quehacer y vivienda, está girando por todas partes y el modo en que se relaciona consigo mismo —admitiendo qué era antes de su restaurador tratamiento—. A fin y al cabo y en el interior de su ser: un estimulante paisaje emocional. ¡Para qué más!

Paddington in Peru: Lost in The Jungle

Hay una serie de obras con su propiedad intelectual, que de alguna manera podemos pensar que fueron escritas para que en algún momento fueran llevadas al cine, como esta, un primer libro de Michael Bond, titulado “Un oso llamado Paddington” y que, se publicó por primera vez en 1958 y hallaron una forma de enaltecer sus raíces británicas y al mismo tiempo, “celebrar la diversidad cultural del Londres contemporáneo, una metrópolis que da la bienvenida a inmigrantes de todas las razas, culturas y especies. incluso osos jóvenes de Perú”, según “The Hollywood Reporter”.

“Paddington in Perú” es de entrada una película para todos los públicos, y todavía más para los pequeñines, pues el personaje del osito Paddington si es carismático para el adulto, imagínese para un niño. De todas formas, este filme como los anteriores del personaje se mueve en terrenos entre lo cómico y la aventura, la acción. Diría que es de los personajes (creados por animación) que más carisma posee entre todos los personajes de animación de nuestro presente cinematográfico.

Este osito amante de la mermelada, desde el punto de vista del guion de pronto (digo, “de pronto”) tiene un poco de otro carácter y actitudes (menos excéntrico), pero no resta a sus dos filmes predecesores en nada; Aunque algunos críticos sostengan lo contrario. De todas formas, es un personaje y filme entretenido, donde los actores incluso (Antonio Bandearas, etc.) irradian dicha sensación de chispa y algarabía.

Ahora, desde el punto de vista publicitario el filme, el personaje, lo británico, etc., encara toda una publicidad casi que sin igual. La experiencia de todo esto es cómo mantener una marca, y el filme es una cátedra al respecto. la marca, en todos los sentidos. Porque esta película demanda que nuestro ídolo (una vez más una creación CGI realizada sin igual con la voz de Ben Whishaw) deje detrás los jardines de Windsor y retorne a su tierra nativa, y dado que su ralea adoptiva (los Browns), vienen con él, significa muchas cosas. En fin, un filme, insisto para toda la familia.