De pronto, El director italiano apura con 'Parténope' su
película más famosa e irritantemente personal. Pero de entrada me gustaría
escribir un poco sobre el título del filme.«“Parténope” es una diosa de la mitología griega asociada
con las sirenas y el canto hipnotizante. Según la leyenda, Parténope era una
hermosa mujer que se ahogó en el mar por desamor y fue transformada en una
criatura mitad mujer, mitad ave».
“Parténope” era estimada la más apacible y armoniosa de
todas las sirenas. Se cree que habitaba en el Golfo de Nápoles, cerca de la
ciudad italiana que lleva su nombre actualmente. De hecho, según la leyenda,
ella fue quien dio origen al nombre Parténope.
Ya respecto al filme (que arranca en 1950) y lo primero
que salta a la vista es la continua figura de una actriz llamada Celeste Dalla
Porta de una hermosura portentosa y atracción imborrable. Míresele del
cualquier plano, ella es un atractivo permanente. Desde aquellas miradas y
rostro de Ingrid Bergman, no me había vuelto a seducir una mirada cinematográficamente
hablando.
Ya centrándonos en la historia del cineasta Sorrentino, tiene
como mediadora a una bella fémina. Una mujer nacida en el agua, que vaga casi
como ese ser al parecer extasiado por fastuosos escenarios y por ostentosas moradas
de forma impasible y acceder a las pretensiones de cuantos jóvenes la cortejan.
Con una vocación laboriosa, de emociones reservadas, inaccesible en sus turbaciones
y de pensamientos muy de ella, es retratada por Sorrentino con toda la solidez
y pureza del lenguaje cinematográfico, y al mismo tiempo, ingresa en el interior (agrietado) de su protagonista
para desarrollar él su tradicional discurso acerca del sentido de la
existencia, su carácter fugaz, el paso del tiempo, y hasta de la muerte (el
hermano de Parthenope, que sentía una seducción incestuosa hacia ella, se
suicida, al no poder de sobrellevar los celos de verla con otro individuo.
¡Qué nada” Qué a la larga terminamos extenuados
de pura felicidad en esas “fiestas sin final” y nos dejamos llevar por los murmullos
cálidos de un horizonte divino. Y como dice el cinéfilo y amigo Henry Laguado “una
cierta mirada felliniana”, si bien, sabia. Sorrentino atrapa pues y da fuerza a
esa energía vital de la juventud con su lenguaje habitual: suaves travellings en
torno a los personajes y estructuras y contexturas armoniosas con un cielo azul
napolitano y cámara lenta que acentúan el carácter fugaz de esos gemidos del
ser humano como consecuencias.
Enzo Staiola, actor conocido por haber dado vida al joven
Bruno Ricci en la aclamada cinta de Vittorio De Sica, “Ladrón de bicicletas”,
ha muerto a los 85 años de edad. El intérprete falleció el pasado miércoles, 4
de junio, por causas que se desconocen, según informó el diario italiano “La República”.
Staiola, y según recordaba el propio actor en una
entrevista concedida en 2023 al citado medio italiano, De Sica lo descubrió un
día que regresaba a casa desde la escuela. Ese día, "un señor canoso, muy
elegante", se bajó del auto que lo estaba siguiendo y le preguntó su
nombre. "Yo me quedé callado. Y me dijo: '¿Pero usted no habla?'. 'No
tengo ganas de hablar', le contesté. Mi madre siempre me decía que no fuera
demasiado familiar si alguien me paraba...", explicó.
Valga pues la oportunidad para examinar un poco “Ladrón
de bicicleta”, por muchas razones. Una, y muy trascendental es que es una obra maestra.Su historia es amarga y literal, plenamente libre de “confabulaciones”
y escrita por Cesare Zavattini pensando exclusivamente en la cámara, la
película está basada en una novela de Luigi Bartolini, y no es más que la
historia de un desprovisto trabajador al que le sustraen su indispensable
bicicleta y que turbado intenta encontrarla durante todo un día. Él es un
hombre humilde, cartelero, que (quiero o no) debe tener una bicicleta para
poder conservar su nuevo trabajo. Él tiene una esposa y un hijo pequeño que
dependen de él. Y así, durante un extenso y sombrío domingo, él y su hijo transitan
las atiborradas calles de Roma, en busca de esa bici importante que, debemos
decirlo, nunca encuentran.
Otorgado un Oscar honorífico en 1949 por la Academia de
Hollywood, es una de las mejores películas y una de las piedras angulares del
neorrealismo italiano. Una Película sencilla y poderosa pues sobre un hombre
que necesita un trabajo.Que esta gallarda
historia acabe teniendo la repercusión emocional de una tragedia clásica, puede
sonar irracional, pero eso es lo que acontece.
“El ladrón de bicicletas” nos ubica justo ahí, nos consiente
sentir lo que resulta ser una experiencia arrolladora con estos personajes
(reales, porque no son actores) observados en la pantalla, nos permite concebir
la condición del ser humano cuando es casi indescriptible.Pero,
también es importante entender que una
bicicleta “actúa” en la película como dispositivo de separación, que retorna un
entorno sereno en un mar de apariencias e irresoluciones. ¿Quién puede reflexionar
sobre lo paradójico del hurto de una bicicleta, quién se escapa a las injusticias?
Ahí está el detalle.
Los principios del neorrealismo italiano (al que
pertenece el filme de De Sica), es un movimiento que se consolidó, en parte por
evidencia ideológica mostrando la realidad de un entonces, y en parte por la insuficiencia
y falta de recursos en la posguerra en una Italia a finales de la década de
1940 y principios de la de 1950.Citando a Bazin,
es “una nueva forma de la realidad, supuestamente dispersiva, elíptica, errante
u oscilante, que opera por bloques y con nexos deliberadamente débiles y
acontecimientos flotantes”. Entonces, en vez de incorporar un ambiente ya comprendido,
el neorrealismo apuntaba a enfrentarse con la ambigüedad y por ello, algo muy
importante, se hacía crónica.
Uno de los principales piezas cinematográficas realizadas
en el Chocó es lapelícula "Tierra
Amarga", recuperada del olvido y de la oscuridad de los archivos de la
Cinemateca Distrital del Bogotá, luego de varios años de búsqueda por parte del
periodista e investigador Gonzalo Díaz Cañadas, quien viene hace más de diezc años
trabajando en la recuperación de la memoria visual del Chocó a través del
archivo fotográfico y fílmico Afrocolombianas –Choco de la Unversidad
Tecnológica del Chocó,Fundaciòn Beteguma , con apoyo de instituciones como de
la Beca en Gestión de Archivos y Centros de Documentación Audiovisual del
Ministerio de Cultura y la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano quien donó
el Filme al pueblo chocoano.
La recupèracion del Patrimonio Filmico es hoy el
resultado de una metódica investigación que ha repatriado a la regiòn imágenes
del archivo los Acevedo de 1929, las películas “ amanecer en la selva” y la “
isla de los deseos” realizadas por misioneros claretianos, importantes archivos
familiares y documentales de carácter antropológico, con los cuales se ha
escrito la historia del cine en el Chocó, haciendo referencia a esta actividad
cultural que comienza en el año de 1914.
Muchos años después de haber sido grabada en las calles,
ríos y selvas del Chocó fue presentada en premier el largometraje “Tierra
Amarga”, primera producción cinematográfica realizada en este departamento y
que entrama una historia de lucha y dolor en torno al trabajo minero de la
región.
“ Tierra Amarga” , fue filmada en Quibdó en 1963 ,
dirigida por el Cubano Roberto Ochoa, su rodaje conmocionó la ciudad durante
los días del rodaje en el cual participaron varias personas oriundas del Chocó
Betty Álvarez, Víctor Dueñas y muchos otros en calidad de extras como Iván
Cañadas, Alfredo Cujar,Víctor; Salamanca, Oscar, el Ballet Folclórico del
Chocó.
Su Director Roberto Ochoa ,que vino a Colombia a trabajar
en Panamerican Films en 1957. En 1965 vino al Chocó para filmar el largometraje
“Tierra Amarga” (actuación de Lorenzo Miranda y Francisco José Restrepo).
La película con guión de Manuel Zapata Olivella gira en
torno a una entrevista recreada - con atisbos de romance clandestino - de una
periodista estadounidense a un minero negro del Chocó, quien obviamente se
duele de sus condiciones de vida, de las de su región, y de sus relaciones con
el patrón, de la misma nacionalidad de la reportera y amiga.
El crítico anónimo de Cinemés ve en ella “Una historia
con alma. Un autentico reflejo de la vida. Su calor humano es acentuado por la
naturalidad del actor Miranda y por la letra y música de la canción del minero.
(...) es una mezcla de testimonio e investigación social”, Opinión que no
compartió Hernando Salcedo: “Aislando solo el aspecto folclórico, lo que queda
es el simple paisaje y sus gentes. “Tierra Amarga” tiene un crudo valor de
documental, perdido desagradablemente por su tema intencionado y ‘actuando
deplorablemente’. Pero resulta estimulante para el espectador observar cómo la
simple fotografía sin mayor función de un auténtico medio nacional anula por
algunos momentos la mala impresión que causa una película como “Tierra Amarga”,
expresaba la crítica de la época.
Esta película - cuya copia había sido imposible de
localizar - se ubica en el grupo de obras que a principios de los años 60’
intentaron un enfoque directo de los problemas sociales.
Se realizaron filmaciones en exteriores utilizando
edificaciones como las casa quintas, la platina y por las laderas del hoy
barrio la Esmeralda (antiguo Corea), donde se realizaron unas escenas crudas y
desnudos, considerada pesadas para la época, lo cual motivo a la postre la
censura a ésta película por parte de la iglesia de Quibdó, cuyo vicario Pedro
Grau y Arola abandono las instalaciones del teatro Cesar Conto cuandoaparecían Lorenzo Miranda el negro trabajador
violando y agrediendo a la esposa de su jefe el gerente de la compañía
mineraChocó Pacífico.
La realización de esta película nacional fue posible
gracias a la colaboración desinteresada y cívica de la gobernación del
departamento, muy en especial a la cooperación prestada por el Dr. Víctor D.
Ariza Prada, Gobernador, por los secretarios del despacho, por el alcalde Mayor
de Quibdó y la ciudadanía en general y las gentes chocoanas a quienes estuvo
dedicado este filme colombiano.
Una película censurada, olvidada durante décadas y
rescatada por los hijos de su director. "La Paga" (1962), Ópera prima
del colombiano Ciro Durán realizada en Venezuela, reapareció restaurada en la
sección Cannes Classics del Festival de Cannes 2025. El hallazgo reabre un
capítulo silenciado del cine caribeño y rescata una pieza clave del cine
latinoamericano de los años sesenta.
En la larga tradición de búsquedas, rescates y
reconstrucciones que alimentan la memoria del cine, cada hallazgo funciona como
una corrección al canon, una oportunidad para mirar nuevamente hacia lo que fue
silenciado o ignorado. Este año, el Festival de Cannes, a través de su sección
Cannes Classics, incluye entre sus títulos restaurados La Paga (1962), una obra
clave del cine caribeño dirigida por Ciro Durán, que permaneció oculta durante
más de medio siglo.
La Paga fue el primer film del director colombiano,
realizado cuando tenía apenas 23 años y acababa de instalarse en Venezuela,
poco después del triunfo de la Revolución Cubana. Lejos de cualquier estructura
industrial, se trató de una autoproducción con formato cooperativo, realizada
con mínimos recursos, pero con una clara conciencia política y estética. Durán,
que había abandonado los estudios de bioquímica para entregarse al cine,
encontró en esta historia rural una forma de expresión urgente y visceral.
Sin embargo, esta película fue víctima de la censura.
Solo se proyectó una vez en Venezuela antes de desaparecer durante décadas. Fue
considerada una película perdida hasta que, recientemente, los hijos del
cineasta emprendieron una investigación que derivó en un descubrimiento
significativo: un negativo deteriorado, pero recuperable, hallado en los archivos
de la Cineteca de Caracas. Gracias al trabajo conjunto de la familia de Durán y
varias instituciones, la restauración fue posible y el film ahora puede ser
visto por nuevas generaciones de espectadores.
El caso de La Paga no solo resignifica la trayectoria de
Ciro Durán, quien luego se convirtió en una figura central del cine colombiano,
sino que también visibiliza un capítulo poco explorado de la cinematografía
caribeña. Su recuperación reabre debates sobre la memoria, la censura y la
posibilidad de escribir otras historias del cine desde el margen. Que este
rescate se exhiba en uno de los festivales más importantes del mundo no es un
gesto menor: es el reconocimiento de una persistencia que atraviesa
generaciones y que encuentra en el cine un acto de resistencia.
Fuente y fotogramas:https://www.escribiendocine.com/
La octava entrega de la saga, con un héroe comoEthan Hunt-Tom Cruise
en pos de otorgar de realismo a unas películas cuyo argumento no podía ser más
inverosímil. Pero, Cruise se deja el cuerpo entero en la cinta, literalmente,
para que nos creyéramos que él es el insuperable ser humano que puede salvar al
mundo, porque es el único que alcanza efectivamente a ejecutar sus acciones.
En este devenir de la industria cinematográficay desde la quinta
entrega, Cruise tiene a un compañero de viaje perfecto (el director Christopher
McQuarrie), que desde que ganó su “Oscar” por el guion de “Sospechosos
habituales”, su destino estaba sentenciado. Cruise apostó por él y logró que
fuera el director que refrendaría su crédito dentro de la saga.
Confiando en ese deleite compartido por un cine que huela
a pura acción, en esta oportunidad hemos visto un filme que en realidad son
dos, y así lo intuimos en la proyección: “Misión Imposible: sentencia final”, y
que es, tácitamente (aunque en Hollywood nunca se sabe) el cierre final y
definitivo de la saga basada en la serie de televisión y que se estrena en
nuestro país.
En asuntos más del lenguaje cinematográfico, la perfección
de la composición en los planos generales del héroe Ethan Hunt-Tom Cruise, sin contrastar
con esa pasión inherente por la acción. Tanto por su marco y objetivo como por
su nervio y derroche constante, un lenguaje que justifica ese dinamismo de
todos los planos (destacando el montador del filme Eddie Hamilton).
En efecto, la cámara nunca se “mueve” (otra cosa es
emplazar) y de alguna manera, somete a “los modelos actanciales” en unos encuadres
en cuyos marcos y disposiciones no limitan toda la profundidad de una perspectiva
(tanto en los planos generales, como los medios o los primeros planos). La
puesta en escena es pues de un rigor inclemente. Con planos trazados invariables
y pasivos, la cámara espere al o los personaje (s) al término de su acción —como
lo instruye la escrupulosidad de la planificación—, y es lo que esencialmente realza
su predeterminación.
Por lo demás, un conflicto típico de un hombre que ve
amenazado su entorno. En este contexto, los diálogos para nada prolongados, en
una “supuesta lógica y cavilación”, y nunca convertidos en soliloquios para que
nublen el argumento antes que aclarar.
No cabe la menor duda de que las intenciones del director
son íntegras, pero, a menudo, el filme tiene que subrayarlas (sobre todo en la
primera mitad del filme) en unos diálogos aclaratorios llenos de proposiciones.
Hunt carga sobre sus hombros el personaje como el ineludible superhéroe del relato
que empuja escena tras escena la cruz de su buena suerte. Por lo demás, un
filme para entretener al gran público.
Con “Sing sing” estamos frente a un drama carcelario,
donde Greg Kwedar dirige y Colman
Domingo (como John Divine) en un gran trabajo actoral protagoniza este filme nada
convencional y basado en hechos, sobre un grupo de presos que afrontan la vida
diaria a través del teatro. Entonces varios puntos de vista de este trabajo
audiovisual:
Un grupo de presos con cadena perpetua son capaces de afrontar
sus desventuras requiriendo por un lado la comedia, reconciliando a Shakespeare
en una diversión sin límites hacia la libertad en un espacio donde solo internan
o que todos tienen dentro de sí, aunque John Divine (¿el Hamlet entre todos?) tenga
en su mente su obra “Letra pequeña”. Así que todo se desarrolla a través de unshakespeariano duelo
entre los prisioneros-actores y el profesor de arte dramático de los reclusos para
cada prueba y cada confesión de entre todos los “actores” señalando sin tapujos
sus faltas y temores.
Y frente a las primeras imágenes de la película:
proscenio. luces, puesta en escena, etc., una idea clara sobre lo que el arte
(debe) representar dentro del actual sistema de operación de nuestras
sociedades modernas, y debe, sobre todo, simbolizar la función del arte —a la
larga— como una agraciada evasión.El arte no debe cuestionar la realidad, debe ser un
ejercicio de invención que permita abstraerse durante un espacio y tiempo muy preciso
(y es lo que la película a la larga nos deja como reflexión).
Ser felices es lo que vale. Para nada afecta que algunos
presos hayan sido condenados por fallos de la misma justicia (caso del
protagonista); nada interesa que la sociedad les niegue la eventualidad de
reinsertarse ni que los sancione de por vida. Los encarcelados deben tener como
amor propio otro sentir de la vida en prisión ya que lo que queda por hacer
está allí.
Con base en lo anterior, dicha lectura del discurso
fílmico de “Sing sing” no está tan arraigado en el asunto discursivo de la
película sobre esa ira que se pueda sentir contra este sistema carcelario (en especial
de los Estados Unidos). Es simplemente, al margen de que tengamos un punto de
vista de los presos como peligros viables y que deben de ser alejados del resto
del mundo; tampoco debemos utilizar este asunto como herramienta de búsqueda o
denuncia.
"Tatami" busca cerrar la brecha en la política internacional a
través de la ficción. El largometraje, que se estrenó en el Festival de Cine de
Venecia de 2023, se anuncia como una de las primeras películas narrativas
codirigidas por cineastas iraníes e israelíes.
Zar Amir, quien anteriormente ganó el premio a la Mejor Actriz de Cannes
por su papel en "Holy Spider", protagoniza y codirige
"Tatami" con el cineasta israelí Guy Nattiv, mejor conocido por su
cortometraje ganador del Oscar "Skin". Nattiv también dirigió
"Golda", protagonizada por Helen Mirren.
"Tatami" está basada en hechos reales, y está protagonizada por
Amir como el entrenador de la atleta iraní de judo (Arienne Mandi) que recibe
la orden de retirarse del campeonato mundial de la República Islámica en lugar
de enfrentarse a un competidor israelí.
