jueves, 14 de diciembre de 2017

RECORDANDO A "SUNSET BOULEVARD"


¿Qué recalcar sobre “Sunset Boulevard” que no se haya escrito ya? Pues no es que resulte difícil insistir, es que siempre hay algo que aportar de un filme, que en mi caso personal, es el más importante en la historia del cine. Trascendental en muchos aspectos. En alguna entrevista me preguntaron ¿cuál era la mejor película del mundo? Y respondí “aquella que afecte directamente su corazón”.


Y eso fue lo que me ocurrió con “Sunset Boulevard” (su título original en inglés, 1950) cuando lo vi por primera vez en un cineclub. Supongo que eso sucederá a muchos cinéfilos. De todas formas, debo de reconocer que después de ver varias veces el filme, un día creí descubrir de qué trata, y es lo que intentaré explicar en este humilde concepto. Empezaré por una pregunta:
¿Cómo explicar que el filme es narrado por alguien ya fallecido? En el contexto de la retórica audiovisual tendría claras explicaciones, pero sinceramente, creo que la respuesta hay que buscarla en la idea importante de la película. Esa idea primaria, a mi juicio, no es otra cosa que la historia de aquellos guiones que nunca se llevaron a la pantalla en Hollywood.
¿Y de qué trata entonces ese guion confinado al olvido? Muestra sin rodeos la vida del guionista Joe Gillis (William Holden), y ese mundo de oropel que es Hollywood. Ahora, la presencia del cineasta Erich von Stroheim como un director de cine ensimismado en Max —mayordomo y escudero de la Diva (Gloria Swanson) —, quien no volverá al set; los podemos descifrar como una isotopía en una metáfora dentro de la metáfora —complaciente por momentos—.
Y es que la transferencia de significado en la relación Mayordomo-Diva, se concibe básicamente como un desplazamiento de la referencia. Nos diagnostica, lo que confirmo al comienzo: Un guion —no llevado a la pantalla— donde la Diva y su director (y debo repetirlo) no tendrán ninguna opción de volver al cine: Él está resignado, ella no.
Ahora, para otras situaciones de la película, y en la más importante que es la relación Diva-Joe Guillis, y para el caso de la semiología de la imagen, podemos considerarlas y evaluarlas como tropos diferentes a la metáfora y propongo el símil, como ejemplo verificable ontológicamente.
Y si “la habilidad para utilizar la metáfora entraña una percepción de las similitudes” (Aristóteles, “Poética”, cap. 22), y que radicalizaron Quintiliano y Cicerón: “la metáfora es una forma abreviada de símil, condensada en una palabra”. Entonces, ¿qué leemos en las imágenes de “Sunset Boulevard”? Pues un filme de símiles sobre aquellos guiones, productores, directores y divas que incrustaron sus anhelos en guiones que nunca fueron aceptados.
Como afirma C. Hausman, las metáforas hacen referencia a realidades o experiencias globales, que se pueden descomponer incesantemente de forma no unívoca. Y para comprender lo anterior, qué símil más hermoso en la cinta, cuando el productor magnate Cecil B. DeMille se ¿burla de ese guion? (entiéndase la visita de Norman Desmond a los estudios de cine), haciéndole creer que volverá a ser, lo que para él no será nunca jamás.
Pero hay a mi juicio dos cosas claras en este subgénero y son las enseñanzas que nos dejan ese universo de oropel llamado Hollywood. En “Sunset Boulevard” (y lo reitero una vez más), la historia de aquellos guiones que jamás alcanzaron la luz en las salas de cine.
Para el segundo aspecto, traigo muy a propósito “The Bad and the Beautiful” (1952) y una frase que escuchamos al final de la cinta: “Para dirigir una película, hay que tener humildad”. Y en ese ir y venir de los destellos de la fama, las apariencias, guiones y dirección; entendemos los ingredientes de esta película muy actual. Y es que a través de tres flash-back, se recrea la carrera de un hombre ambicioso (Kirk Douglas) que no repara en nada con el fin de lograr con éxito sus propósitos. Para lograrlo: miente, maltrata y manosea.

Y a pesar de ello, todos sentimos cierta embriaguez hacia él. La misma que sienten sus compañeros, quienes están dispuestos a darle una mano. Ya lo he dicho muchas veces, “El cine embriaga hasta el amanecer”.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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sábado, 9 de diciembre de 2017

PRIMER TRAILER DE ‘JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO’



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SUBURBICON



Si usted lee bien los créditos de este filme, encuentra que el guion fue escrito por los hermanos Coen. Y esto es importante a la hora de describir esta película con más acento de los Coen que de Goerge Clooney su director.

Cercana a “Fargo” es un thriller que invita reflexionar a mi entender un pensamiento escocés: “Nunca permitas que tus pies vayan por delante de tus zapatos”. Y es que las prisas por lograr (lo que a la larga) no se conseguirá, es una invitación a medir nuestros pasos. Y estos “pasos” en el cine de pronto resultan un cliché, pero que aceptamos, ya que la condición humana es así, llena de  estereotipos.

Siguiendo esa lógica, y muy juiciosos de que el factor sorpresa no se ha desvanecido, llegamos a entender que matar una última vez para poder ser libre, de la ideología del filme se aprende que: nadie se puede escapar de su destino: Los asesinos de esta historia (casi todos), nacieron para aniquilar y ser aniquilados una y otra vez.


Gonzalo Restrepo Sánchez

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lunes, 4 de diciembre de 2017

“Ce qui nous lie” (“Nuestra vida en la Borgoña”)



Con un ritmo acompasado, el cineasta Cédric Klapisch aprovecha esta ocasión, para hablarnos de la familia y los esfuerzos familiares para conseguir lo que muchas veces con la unión de los miembros que la conforman, logran (a pesar de todo) los propósitos de la vida diaria.

Desde su primer éxito: “Como en las mejores familias” (1996). El cineasta en  “Nuestra vida en la Borgoña”,  realiza un drama con trazados de comedia, logrando transmitir con importante veracidad dos ideas esenciales de su  relato ideológico en esta historia sobre tres hermanos: el conflicto entre ellos y el influjo del paisaje y de la tierra en las vidas de sus pobladores (intercalando flash backs entre la vida de los hermanos).

Esto último de pronto resta ritmo a la sucesión de imágenes, logrando quizá ante los ojos del espectador, perder la empatía por alguno de estos personajes. De todas formas, la metáfora de la evolución de Jean (eje esencial del filme), se equipara al proceso de maduración que se produce a la par de las uvas que cosecha y el paso de las estaciones (bellamente fotografiado).

Filme pues para ver entre hermanos y que fluyan las reconciliaciones, que a la larga son bendiciones para el alma cargada (a veces) de equívocos sentimientos.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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domingo, 26 de noviembre de 2017

Happy Death Day (FELIZ DÍA DE TU MUERTE)



La cinta de Christopher Landon ('Paranormal Activity') logra que el espectador cinéfilo se remita sin lugar a equívocos a 'Atrapado en el tiempo', y es que el personaje principal (condenada a morir cada día) va por enésima vez a su pasado inmediato para averiguar una identidad que a todos nos desgasta desde nuestras butacas.


Así que, sumergido en una infinita espiral de giros argumentales atiborrados de trucos y engaños, lleva de la mano al espectador a una intriga y además comedia de terror, que en su primera mitad convence, pero que después desconcierta (sin perder el atractivo visual de lo que vemos).

Y es que la chica protagonista se convierte en la herramienta principal de este trabajo, al hacer frente a sus dudas, cuando atacan su único punto sensible: su vida (en una sociedad hambrienta). De todas formas, el aspecto más patético y logrado, es la estética que refleja (a la perfección) el interior de la mente de la protagonista.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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lunes, 20 de noviembre de 2017

75 años de Casablanca. ¡Cómo han pasado los años!



No he visto en la historia del cine americano, una mirada más sincera como la de Ilse a Rick en aquella noche en el bar, en un reencuentro forzado por el destino. Sobre todo aquella, después que Ilse escucha "As time goes by" y aparece Rick, con un recuerdo que no deseaba perpetuar: tropezar con el hermoso rostro de la mujer que lo amó.


Y es que si la historia habla de la amistad, también habla (como alguna vez sentenció Borges) del olvido lleno de recuerdos y que nos deja además plantados. Pero no importa, de miradas está llena nuestra vida. Y con toda seguridad, siempre sobresale aquella que tropezó con la nuestra, en la más brillante y a la vez inoportuna de las ocasiones. Y si siempre recordamos el final como una relación de reciprocidades (y que valga la tautología), también concluiremos que "es el inicio de una buena amistad".¿A qué sí, amigo lector?
Gonzalo Restrepo Sánchez
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sábado, 18 de noviembre de 2017

Hikari (Radiance)...HACIA LA LUZ


Naomi Kawase es recordada por su galardonado filme “Una Pastelería en Tokio” (2015). En esta ocasión con su película “Hacia la luz”, la directora japonesa nos muestra una verdadera fábula de amor (entre una audio descriptora de películas y un fotógrafo que está perdiendo su vista), en el que el rito de la luz y la fotografía, constituyen uno de sus fragmentos esenciales al hábito de la emoción (entre lo objetivo y lo subjetivo) y su concerniente clímax.


En la primera escena que recordamos, ya nos pone en alerta cuando, se nos ostenta una película dentro de otra película, en la cual percibimos una voz que refiere todas las imágenes que estamos viendo. De esta manera poco tenue, quizás, el público siente (de forma inmediata) un rompimiento entre las imágenes que exponen la película y su audio que describe desnuda sencillez en palabras.

“Hacia la Luz” es pues una cinta muy poética y perceptiva que “habla” no solo de los afectos (¿imágenes ilegibles?), la inestabilidad de la existencia o la búsqueda de la felicidad, sino asimismo de la seducción por el cine desde una apariencia insondable y por supuesto original, dejan una interesante reflexión al final de todo.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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