La cordillera

Película argentina donde Ricardo Darín es el protagonista, siendo prenda de garantía para un trabajo sólido. El asunto va en clave de thriller político-psicológico (sin nada de clichés) para señalar asuntos políticos sobre las ideas de mandatarios en una sociedad elitista como la de América Latina.

Metáfora entonces sobre la personalidad de un presidente a través de asuntos políticos y que el cineasta Mitre señala en una cumbre de presidentes de la región. Visto así el asunto la trama crece cada vez más y muestra los vericuetos de este tipo de cumbres donde la mentira, los intereses, la hipocresía entre mandatarios; creen que dan soluciones a los países, cuando en realidad es otro el asunto.

 “El hombre común no cita a Marx”, en boca de Blanco (Darín), un presidente con ambiciones, sirve como intertexto para tocar realidades sobre las políticas de una región a través de cumbres que lo único que logran en realidad es ocultar realidades sociales. “Puesto que lo político es una dimensión de lo social, si se intenta un retrato social, se puede (de manera tácita o no) ensayar un retrato político” (Víctor Hugo Martínez González). Para finalizar dos cosas entonces: O buscamos el personaje a través de la historia, o la historia a través del personaje.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Lady Bird

La película arranca con una frase que nos pone sobre aviso de lo que a continuación veremos. “Aquel que hable de hedonismo en California, nunca ha pasado una navidad en Sacramento”. Entonces creemos que el asunto va de hedonismo (la supresión del dolor y las penas buscando la felicidad y el placer como motivo y fin de vida).

La película de Greta Gerwig que se alzó con el premio a mejor película y mejor actriz por los Premios de la crítica de Nueva York, va de una joven estudiante que se hace llamar "Lady Bird" (Saoirse Ronan)  y se muda al norte de California en busca de la felicidad.

Y es que como decía el pintor suizo Paul Klee: “Ser feliz significa percibirse así mismo sin temor” Y de eso va la casuística en una película independiente bien realizada, sin pretensiones, inteligente e irónica en la medida que aceptamos a la interlocutora cargada de feminismo.

Película pues de tono fresco y agradable que nos habla (y trata) de un personaje femenino donde es (como muchos de nosotros) apurada, fisgona, aburrida (a ratos), jovial y algunas veces como seres humanos que somos a fin de cuentas: sórdida.

Sordidez con un sentido de lecciones a la madurez. De pronto la película nos revela aspectos autobiográficos de la cineasta. Película pues a tener en cuenta y que incluye a la familia (¡gústeles o no…!). Es bueno mantener las cosas limpias y ordenadas —con su hedonismo propio—.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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I, Tonya

Mirando a la cámara el personaje Tonya nos introduce en el asunto madre de su vida, para luego en un largo flash back, ir cuarenta años atrás y ver el argumento de un personaje cargado de los altos y bajos emocionales, acorde a los sentimientos y maltratos de un esposo y una madre obsesionada. De manera que esta cinta es un Biopic que narra la historia de la patinadora olímpica, Tonya Harding y se centra en gran parte en un delicado incidente que le sucedió en 1994.

La película se basará en las entrevistas mantenidas con Tonya Harding y su ex marido, Jeff Gillooly, con quien mantuvo un turbulento matrimonio durante tres años (desde los 19 a los 22 años). De manera que este relato en primera persona, nos adentra en todo aquello que nos revierte en el esfuerzo y lo que hace a los  deportistas, por ejemplo, unos fuera de serie (sin conocer las realidades verdaderas).

Por otro lado, este filme cargado de buenas intenciones, refleja que la felicidad no siempre está al alcance de la mano. Felicidad y éxito no sería el corolario de una puesta en escena agradable y bien musicalizada y que llega al pathos del espectador, ya que el personaje de marras (en todas las etapas de su vida), nos cautiva.

En lo estrictamente cinematográfico, se plantea un filme a modo de falso documental y sin exagerar las voces en off, nos enteramos de que a pesar de todo lo que nos ocurra en la vida, bien valió la pena vivirla.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Poniendo en claro que  la banda sonora y la  voz de Renee Fleming cantando "The Last Rose of Summer" del poeta irlandés Thomas Moore, anidada en una taciturna melodía tradicional celta,  acompaña tres carteles derruidos al lado de una carretera, las cuales llaman la atención de Mildred Hayes (Frances McDormand). Le nace la idea —muy original— de que su designio “publicitario” tome carácter y que todo un pueblo se entere a la larga de injusticias.

Si bien nada consuela a Mildred Hayes por la tragedia que se llevó a su hija, este el comienzo y punto de partida para que, a través de su sufrimiento (emociones que habitan en la interlocutora), veamos la historia de un personaje y su coraje, ira, perdón y redención.

Así se podría resumir esta sorprendente cinta donde al cineasta, no le sobra el valor y talento para erigir un escenario enardecido de violencia, dolor, humor negro y segregación; donde la “guerra” de la valiente Mildred contra la policía local, se convierta en una borrasca que arrase e implique a todo un pueblo.  

De pronto la ideología del filme profesa la idea de que Mildred se tome la justicia por sus manos (prefiero no cometer spoilers), pero, es que en la medida que la decisión de este héroe (y antihéroe a la vez), afrenta la injusticia del departamento de policía de Ebbing, Missouri, los espectadores se sienten identificados. En este sentido, Frances McDormand transmite su poder actoral, se luce y es una candidata a los “Globo de Oro” y los “Oscars”.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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CALL ME BY YOU NAME

Elio (Chalamet) se enamora de Oliver (Armie Hammer) y necesita decidir cómo va a administrar el resto de su vida. Así de sencillo es esta historia de amor homosexual que imprime a los asistentes, alguna que otra reflexión sobre el amor cuando aparece sin mucho esfuerzo y por primera vez para un adolescente.

Y es que la película —hablada en varios idiomas— sin mucho esfuerzo en su puesta en escena (acomodada a los intereses de los protagonistas) envuelve la sensación  de estar ante una historia (por momentos romántica) sobre lo mismo, aunque los actores revelan en sus personajes la maleable oración de la atracción.

También, por supuesto, una historia de amor correspondido (sin ganadores ni perdedores) y sin forma estética existencialista. Algo que se le abona a diferencia de otras cintas sobre tema de la homosexualidad. No mucho más que decir de esta película alabada por crítica internacional, donde el punto de partida es ver cómo el encuentro y la convivencia con otra alma, está asegurada por un destino para nada perverso.

Claro que las imágenes observadas no son en absoluto cómplices, cuando respeta sutilmente la fascinación (recordar la escena, y perdón por el spoiler, cuando se sugiere que cada uno se llame por el nombre del otro).

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Get Out

Esta película dado que toca el tema del amor interracial (además el filme posee ese humor “interracial”), en un primer momento parece recordarnos la emblemática “Guess Who's Coming to Dinner” (1967). Pero dentro de muy poco vemos que no es así y nos adentramos en una historia que plantea una hipocresía socio cultural trascendente.

Bajo la intriga psicológica y de terror, estamos ante una "Ópera Prima" excepcional, donde el cineasta Jordan Peele no deja de sorprendernos. La cinta arranca con la canción  “Run Rabbit Run”, de Flanagan &, y, un encapuchado que ataca a un joven afroamericano y lo arrastra inconsciente hasta el maletero de su auto, donde lo encierra. Tras este impactante prólogo, estamos ya dispuestos a censurar bajo nuestros códigos morales lo que se va sucediendo en las imágenes.

Con base en lo anterior, enfrentamos (y confrontamos) la psicología del personaje protagonista con la fatigosa sensación de que nadie a su alrededor es lo que parece (al igual que ocurre muchas veces en nuestras vidas personales). Así que las apariencias como la mayor de las amenazas, permite construir con maestría una intriga que crece y crece, sin muchos sobresaltos pero con detalles para crear en la mente del espectador mucha tribulación.

Filme altamente recomendado y una de las sorpresas del año anterior, que bien vale la pena repetir en este 2018 que apenas comienza.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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El primer vampiro del cine mexicano cumple 60 años

La historia de El vampiro, dirigida por Fernando Méndez y protagonizada por el actor español Germán Robles, nos sitúa en la Sierra Negra, donde un carruaje lleva una extraña carga proveniente desde Hungría. Ahí mismo viajan un agente viajero y Marta. Al llegar a su destino, la joven se entera de una gran desdicha familiar, mientras el terrorífico conde Lavud se prepara para llevar a cabo un plan siniestro.