VENGADORES: ENDGAME

De entrada podríamos plantear que “Vengadores: Endgame” es el mejor filme de la saga. Aunque se señale con acierto que cumple todos los clichés de ese cine blockbuster y que hace que seguidores (o no) de la saga, disfruten al máximo la cinta de tres horas de duración, que entre otras cosas, no se sienten para nada.

Quedémonos con esto último. El tiempo es el auténtico protagonista de una película que reclama muchas cosas.  Cuando “X-Men: Días del futuro pasado” y para el resultado de la paradoja espacio-temporal, Singer sabe perfectamente cómo conservar la tensión —y el equilibrio— entre las temporalidades del relato  y el apocalíptico mundo futuro; lo asume además con bastantes guiños y referencias a momentos de las cintas anteriores. Pero en la composición de Endgame (2019), hay tanto humor como en toda la franquicia.

Entonces a la hora de evaluar la película —con una cantidad de cameos de figuras del cine reconocibles— dirigida por Anthony Russo y  Joe Russo, lo primero que se me ocurre explicar es que es un filme de ida y vuelta entre la distopía (cuando Stanley Kubrick estrenó en 1968 “2001: Odisea del espacio” todavía podía advertirse una confianza teleológico respecto del futuro e igual con el presente, si nos atenemos a héroes y villanos) y la ucronía.

A mi juicio, la ucronía (historia contrafactual y recuerden los lectores mayores aquella serie de tv. “El túnel del tiempo”), porque, esto es lo que deja de enseñanza este espléndido texto audiovisual; tomando como punto de partida la definición de la RAE de «ucronía»: «reconstrucción lógica, aplicada a la historia, dando por supuestos acontecimientos no sucedidos, pero que habrían podido suceder»).

Y es que lo que pasa es que, nuestros héroes pueden ir y venir cuando se les dé la gana (y con elementos familiares que atañen a Iron Man, Ojo de halcón, Thor, War Machine, Black Widow, Valquiria, Hulk, etc.) en  un mundo diferente al nuestro, si bien verosímil.  Si bien contrafactual es toda situación que no ha sucedido en un universo actualmente observable por la investigación humana, pero que podría haber ocurrido; hay que agregar que el narrador —en este caso los cineastas—, revisan lo establecido mediante hechos aceptados o nuevos (en la película, las acciones de Thanos, el Titán Loco).

De todas formas, la película es un drama intimista sobre la pérdida, una comedia emocionante, una fábula de hurtos pulcros y una meditación válida: la metáfora de las “gemas” para entender qué hay que perder y, recobrar las oportunidades en la vida, pero ¿cuál sería la diferencia en el tema que tratamos entre lo verosímil y lo meritorio?: el aplauso. Pues lo plausible requerirá de los demás (una comunidad que confirme aquello), ya que el aplauso es: «razonable, aceptable y recomendable». Y es que todo el mundo en la sala de cine y en el casi final del último tercio del filme, observé como aplaudían.
Gonzalo Restrepo Sánchez
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Los años más bellos de una vida, Claude Lelouch. En Cannes 2019

Película Los años más bellos de una vida, Claude Lelouch. En Cannes 2019, fuera de concurso, y en cines el 22 de mayo.

Con :

ANOUK AMADO

JEAN-LOUIS TRINTIGNANT

MARIANNE DENICOURT

SOUAD AMIDOU

ANTOINE SIRE

MONICA BELLUCCI

Música de Francis Lai y Calogero; Canciones originales interpretadas por Nicole Croisille y Calogero.

Se conocieron hace mucho tiempo. Un hombre y una mujer, cuya inesperada historia de amor, atrapada en un paréntesis que se ha vuelto mítico, ha revolucionado nuestra forma de ver el amor. Hoy, el ex piloto de carreras se pierde un poco en los caminos de su memoria. Para ayudarlo, su hijo encontrará el que su padre no sabía mantener pero que evoca constantemente. Anne volverá a ver a Jean-Louis y reanudará su historia donde comenzó.

Hellboy (2019)

No acaba de salir esta nueva versión del “Hellboy” cuando la crítica internacional la descalifica en todos los sentidos. Y es que si bien no parece ser la mejor saga del personaje de marras, tampoco es que sea un bodrio. Esto no significa que este blockbuster no vaya a ser un éxito de taquilla, recordar que ‘Batman vs Superman’ es un sosegado ejemplo (con sus más de 800 millones de dólares recaudados en todo el mundo). De pronto (y coincido con algunos críticos de cine) en diversas ocasiones, este tipo de críticas mueve a la gente para que vaya a verla al cine. De todas formas y a mi juicio es mucho mejor que ‘Shazam!’.

De manera que “Hellboy” funciona en algunos aspectos estrictamente cinematográficos. En lo personal, el roll de Milla Jovovich ofrece garantía y Hellboy si bien es el héroe, de pronto resulta excesivamente ingenuo (quizá para agradar al espectador).

La primera hora de la cinta si bien transcurre con fluidez, deja advertir lo que será un predecible desarrollo (y esto puede no gustar al espectador y fan del héroe). De nuevo, estamos pues ante una historia al servicio de unas cuantas secuencias de acción terriblemente conectadas, en las que los personajes (salvo Nimue, la reina de la sangre) dicen tonterías con un inverosímil hábito de guion reescrito.

Ustedes y yo hemos contemplado esta cinta varias veces. No es ningún tópico, pero en el guion está precisamente todas las falencias de cada minuto de este “Hellboy”, que no se puede comparar con sus predecesores a través de una atenta lectura.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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“María Magdalena”

Ante dos posibles estrenos próximos en nuestra cartelera local sobre la vida del apóstol Juan (“Juan apóstol el más amado”) que narra la historia de San Juan Evangelista, desde que acompañó a Jesús de Nazareth cuando el mesías fue crucificado hasta que escribió el Evangelio años más tarde antes de su propia muerte y la británica “María Magdalena” (película biográfica bíblica que cuenta la historia de María (Rooney Mara), una joven mujer en busca de una nueva forma de vida y el cineasta nos muestra a Jesús desde el punto de vista de ella; una vez más surge la pregunta de cómo el cine ha abordado a Jesús.

                                       Joaquin Phoenix es Jesús en “María Magdalena” de Garth Davis

La grande era de las superproducciones bíblicas de Hollywood, se inició en el año de 1949, provocada una vez más por los italianos y su “Fabiola”, de Alejandro Blasetti (pedido del Vaticano). A pesar del claro escepticismo mostrado por la crítica al contemplar a Victor Mature y Hedy Lamarr haciendo de “Sansón y Dalila” (1949). A Lana Turner de suma sacerdotisa en “El hijo pródigo”, o Paul Newman de Basilo en “El cáliz de plata” (ambas en 1955); el “remake” de “Ben-Hur” demostró una vez más, que la mejor forma de mostrar a Cristo en la pantalla, era no hacer que lo interpretara un actor con cara devota, si no concentrarse en los rostros de quienes lo rodeaban.

Si bien el papel de Cristo sigue siendo atractivo, aunque “La historia más grande jamás contada”, pareció durante algún tiempo poner fin a sus biografías. Años después apareció bajo la cara de Ted Neely, “Jesucristo superestrella” (1973), la de Robert Elftron en “The gospel road” (1973), Robert Powell en “Jesús de Nazaret” y John Rubenstein en “Search of  history de Jesús” (1980).

En el año de 1988, “La última tentación de Cristo”, del escritor griego Nikos Kazantzakis, es llevada al cine por el cineasta Martin Scorsese, quien con lo que no contó, fue con el cambio de actitud de la iglesia Católica. En los años sesenta, cuando apareció el libro de Kazantzakis, se entendió como un texto liberalizador que ejemplificaba las doctrinas del Concilio Vaticano y las propuestas del Papa Juan XXIII, para que, 25 años después, esa misma iglesia rechazara de modo contundente el filme, donde el actor Willem Dafoe, encarna a Jesús.

En “La Pasión de Jesucristo” (2004), de Mel Gibson. Donde el actor Jim Caviezel encarna  a Cristo. El cineasta Gibson compone un fresco de tan copiosas proporciones como significaciones. Hay en el discurso de la película, una reflexión visionaria sobre ese caos en que se convierte nuestra reflexión sobre nuestra vida. Hay en el filme una verificación clara e ineludible de los valores.

De todas formas, sería interesante observar el documental y leer el libro del profesor Carsten Peter Thiede, uno de los historiadores del Nuevo Testamento más eminentes del mundo, con el objetivo de realizar un estudio completo y detallado de este tema: el descubrimiento de un nuevo manuscrito que da una sorprendente versión sobre el origen de los Evangelios y por consiguiente la vida de Jesús.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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El tráiler de ‘Joker’, la película

Warner Bros lanza el avance del filme, protagonizado por Joaquin Phoenix, que interpreta a Arthur Fleck antes de que este se convierta en el conocido villano.

"Skjelvet" ("Terremoto")

En 2015, Roar Uthaug lanzó “The Wave”, el primer filme de desastres realizado en Noruega y que está basado en el verídico tsunami que fustigó la ciudad de Tafjord en 1934. La película fue elogiada por su enfoque a larga humano. “The Wave” se convirtió en la película más taquillera ese año en Noruega.

Si bien los “remakes” (repetición de rodaje) a veces no son tan sorprendentes como sus predecesores, podemos afirmar que este remake es bueno y se atiene por supuesto a este tipo de cine de desastres, incluso sin exageración alguna. En este sentido, podemos señalar al héroe: Kristian (Kristoffer Joner), un geólogo noruego, que logró salvar no solo a su familia, sino a muchas más, al explorar las señales de advertencia, cuando otros colegas no lo hicieron.

Si bien el filme no se revela pues como una obra compleja y valiente, su director Andreas Andersen se robustece como un buen director apto de edificar atmósferas perturbadoras y algo significativo: sin jugar con la paranoia y, sin utilizar algún que otro referente clásico.

De manera pues que el filme resulta entretenido y en su último tercio trepidante y cargado de verosimilitud, no obstante en la escena donde la familia de Kristian atrapada dentro de un hotel de gran altura colapsa y pasa a través de una elipsis a la escena final.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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DUMBO, DE TIM BURTON

Siempre que me preguntan qué es lo primero que me incita a ver una película, respondo que su director y seguido de sus actores. Con base en esta premisa, fui a ver “Dumbo” por su director Tim Burton (“Eduardo Manos tijeras” o “Ed Wood”). Un cineasta que no defrauda en esta ocasión, aunque tiene trabajos más arraigados en la mente cinéfila.

Parte del desafío de esta cinta (el original se basó en la novela de Helen Aberson y Harold Pearl) era los estándares de la buena trama; aunque quizá le faltó un poco más de ambición al guion como tal. De todas formas, no es una película mediocre.

Es 1919, y la Gran Guerra ha pasado su factura. Una gran parte de la audiencia de Medici ha muerto en el extranjero, y su actor estrella, Holt Farrier (Colin Farrell), acaba de regresar de las trincheras con un brazo y sin ilusión. La esposa de Holt murió cuando estaba sirviendo en su país, y no tiene idea de cómo ser fuerte para sus dos niños sin madre (Finley Hobbins y Nico Parker) que apenas lo reconocen.

La adaptación dirigida por Tim Burton y Ehren Kruger de la película animada de 1941, es una aplicación para los tiempos actuales. Si bien el sentido enternecedor no lo impregna todo el bebé elefante que vuela, pues tampoco es que nos deje sin sentimiento alguno (y sobre todo a los niños).

Las secuencias de vuelo en este “Dumbo” de Tim Burton (reitero, una aceptable versión del clásico de Disney), tiene su toque de veracidad y maravilla. Y es que este Dumbo, creado con efectos digitales, sigue siendo un héroe aceptable, adonis y solitario, con unas orejas enormemente grandes y que nos habla siempre con su suplicante mirada. Y es que si, al pararse en lo alto de una grandiosa plataforma circense, su duda y vergüenza son indudables. Todo se circunscribe a ingerir una pluma en su tronco (que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y, por unos instantes aprecia que su corazón late vertiginosamente.

Si bien Burton usa la canción de cuna “Baby Mine” de la película original, rinde homenaje a la secuencia más recordada de "Dumbo": “Pink Elephants On Parade”. Número musical surrealista, plasmando un efecto con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes. Asimismo se observa a lo largo del metraje,  la amistad entre el bebé elefante y Holt Farrier quien cuenta con la ayuda de sus hijos Milly y Joe, estructurando la fábula entre buenos y malos, cuando de buscar beneficios se trata.

Historia pues que logra enaltecer esa expresión de “cine familiar”,  ya que es una cinta para todos los públicos entregados a regocijarse con los múltiples eventos de niños y elefantes metidos a héroes, y unos adultos en la trama que, por una vez, no verán ofendida su agudeza y, de paso, los espectadores tienen la posibilidad de evocar la  marca Disney.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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