Mary Poppins Returns

Tomado como punto de partida el primer filme rodado en 1963, el filme tiene en un alto porcentaje, la misma estructura. Además (y hay que ser sincero) el casting en esta oportunidad no desmerita la que le precede y que todavía después de su estreno hace más de 50 años, aun es evocada por todas sus virtudes.

De manera que esta comedia resulta divertida y, apoyada en una dirección de arte perfecta (amén de la animación), tiene momentos realmente memorables. Cabe anotar, la especial aparición en la cinta de dos emblemas del cine mundial: Ángela Lansbury y Dick van Dyke en el tercio final de la cinta.

Respecto al asunto estrictamente cinematográfico, el cineasta Marshall ha sido casi milimétrico en conservar aspectos que permiten mantener no un recuerdo sobre su predecesora, sino un sentimiento de afabilidad y cariño entre los personajes de la historia (aun entre los “malos”). La historia de la familia Banks, formada por un recto banquero, su esposa y dos hijos pequeños, que protege en su anárquico hogar a una niñera (quien no recuerda la canción “A Spoonful of Sugar” de Poppins y los niños en la habitación) que procede del cielo y con paraguas en mano, para poner orden y quimera en el gris Londres de 1910.

Película pues recomendadísima y que con la diligencia y frescura del relato, captura a los niños de 2018 quienes, simplemente alcanzarán enchufarse con ese universo de fantasía y buenos emociones.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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THE SISTER BROTHERS

Jacques Audiard, el director de cintas como “Un profeta” y “De óxido y hueso”, cambia de género y se atreve con un excelente western que, aunque nos evoca a otros filmes del género, resulta interesante observar esta propuesta cargada de existencialismo entre dos hermanos de polos opuestos aunque una codicia en común: el oro ( y no estoy cometiendo un spoiler).

Lo primero que me viene a la memoria, es que de pronto y con base en la idea existencialista y de procurar ir a un final lugar del corazón para ambos hermanos, es la película “As I Lay Dying” basada en el libro “Mientras agonizo” de Faulkner. Cargado de algunos diálogos reticentes y de mucha reflexión en torno a la vida (y la muerte), “The brother sister” nos revelará en clave de road movie, que todos tenemos que transitar en este mundo, aunque (algún día) por obvias razones, ser enterrado bajo tierra.

Además, ambos actores protagónicos (Joaquin Phoenix,  John C. Reilly) logran que trascienda más natural al espectador todo lo que vemos y sentimos del viejo Oeste norteamericano. Película pues que explora la realidad del ser humano a través de dos hermanos que sin espejos que amplíen y cuantifiquen los misterios y recovecos del alma, tienen un valor perspicaz y de pronto transformador.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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ROMA

"Roma", es un drama profundamente personal del cineasta mexicano Alfonso Cuarón donde recrea parte de sus precepciones de un pasado no muy lejano para el talentoso cineasta. Varias cosas respecto a esta cinta que seguramente arrasará con todos los premios habidos y por haber en la industria del cine.

Con una cámara en constantes panorámicas y sin primeros planos, la historia a la larga de Cleo (una buena y sincera sirvienta) sirve para que el cineasta module (en contrastes emotivos para el espectador) sobre los asuntos y conflictos domésticos de un hogar de clase media mexicano en los años setenta.

Con una fotografía y puesta en escena impecable, la película de Cuarón y su gusto por la cámara a la hora de rodar largos planos, las actuaciones que escrutan trasferir autenticidad y los diálogos en los que las frases resultan a veces entrecortadas y expresiones muy coloquiales; estamos ante una obra maestra.

Y es que su incondicional apuesta por el ejercicio de estilo, nos lleva ante una pieza que procura remitirnos al mejor cine clásico, sin estar cargado de personajes ambiguos, sino que dejan ver “visiblemente” (que valga lo tautológico) sus auténticas intenciones, esgrimiendo atmósferas agradables en situaciones propias sobre la humildad del ser humano.

Cuarón utiliza muy bien la iluminación en blanco y negro, ofreciendo una obra visualmente elegante y a la vez sobria. Su punto más interesante es un guion que, sin búsqueda de sorpresas, deja que el público termine admitiendo a una Cleo para nada lerda.

Una historia pues de un personaje que se siente, y, una cinta que descansa más en la potencia de sus situaciones (rodadas sin necesidad de partir su estructura central: la relación de ella y la familia donde trabaja). Un filme sin metáforas y mucha reflexión.

Gonzalo Restrepo Sánchez.

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The Possession of Hannah Grace

“Cadáver” de entrada llena al espectador de sobresaltos. Ahora, si bien no aporta nada nuevo al género, al menos, asusta aquellos espectadores que visitan la sala de cine, solo para eso (morderse las uñas).

Y es que si existe un género vivito y coleando es el género del terror. Si bien todos sabemos que nada es real (aunque otros piensan lo contrario), la idea es asustarse. Como si la vida misma, no fuera a veces un género de “terror”.

La noción que salta a la vista de esta cinta, es un sentimiento de claustrofobia. Crea del terror y el hacer del funesto depósito de cadáveres, escenario de su trama, resultando un reflejo perfecto al género cinematográfico y al terror mismo.

La idea es que la morgue, en la cual yace un cuerpo poseído, mutante y diverso, hostigue (hasta límites inesperados y frenéticos) a la sufrida protagonista, para sentir en carne propia la falta de aliento en ese espacio, que no es otra cosa que la misma sala de cine.

Para la cinta colombiana, habrá que esperar el 25 de diciembre, para reír un poco forzado (al menos). Al menos es la fórmula que le funciona a Dago García (mucho paseos y que mueven la taquilla sin rodeo alguno).
Gonzalo Restrepo Sánchez
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ROBIN HOOD 2018

Sobre el tema de Robin Hood ha habido muchas versiones en el cine (y desde que el cine es cine). En esta oportunidad, su cineasta Otto bathurst ha puesto en escena, una de las peores sobre el personaje de marras.

Muy poco que rescatar de esta cinta, que más que recrear un argumento sólido, se encarga de llevar a la época de Robin, los aspavientos de situaciones y vivencias del presente siglo, donde nadie cree lo que realmente ve. Esta es la segunda franquicia que se aposta sobre los hombros del actor Taron Egerton (estrella de la saga “Kingsman”).

Para ser ecuánimes, cuando se trata de algo tan adaptado, pero lleno de clichés como en este Robin Hood del siglo XXI,  no aporta nada nuevo y arruina toda posibilidad de éxito. Y es que a pesar de toda su ambición estilística y sus bríos por hacer referencia a inquietudes modernas (la diatriba anteislámica del Sheriff de Nottingham), Robin Hood cae estrepitosamente debido a una distancia de lógica interna en la trama.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Mary Shelley

La cineasta saudí  Haifaa Al-Mansour narra con distinción, ritmo y vigor la inflexible voluntad de Mary Shelley (Elle Fanning, actriz con un futuro brillante) en no sucumbir en su época, a la decisión de sus deseos más profundos: el de escribir.

De manera que estamos ante un personaje como Mary Shelley y una historia sobre la famosa mujer que concibió al doctor Frankenstein y a su “criatura”. Con un paisaje remoto como las altas tierras de Escocia (aunque el filme de desarrolla en su casi totalidad en interiores), esta hermosa mujer de 16 años llamada Mary Godwin, que ambiciona y traza sus vacilaciones sobre todo lo establecido, plantea a modo de paralelismo entre su vida y la de la “criatura” la necesidad de un descreimiento y cierta insurrección vocacional en un universo machista.

En el conservador Londres del siglo XIX, hallando obstáculos para lograr publicar su primera novela, Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), Mary lucha para que se reconociese su autoría y asimismo su condición de mujer. Y es que además, todos los personajes en la cinta, son culpables de sus propias necesidades y deseos: el alcoholizado esposo de Mary, Shelley, su apesadumbrada hermana, el triste doctor Polidori (quien realmente escribió “El vampiro”) y el canalla lord Byron.  

La distinción de la fotografía de David Ungaro y la partitura musical de Amelia Warner, insinuante y próxima al personaje, favorecen a que Mary Shelley logre una personal atmósfera, y marca cierta diferencia de otros biopics. Y es que la directora ha tenido la inteligencia que ese mensaje de libertad y lucha de la mujer contra las leyes establecidas y las ideas retrógradas de una sociedad machista, sirvan para dos cosas. Su tortuoso proceso creativo de Frankenstein y que la mujer merece tener su posición en la sociedad.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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First Man

Seis veces viajó el hombre a la luna y en esta oportunidad la película en nuestra cartelera local, muestra cómo fue esa primera ocasión, donde el astronauta Neil Armstrong (interpretado por Ryan Gosling) fue el primero. Y es que tomando esta premisa, la historia se centra en el personaje.

Vale la pena reseñar que su director es Damien Chazelle, recordado por su entrañable filme “La La Land”: Si bien son dos temas diferentes respecto a su reciente película, se puede señalar que es un excelente director y en esta oportunidad en una reveladora significación de la realidad, todos concluimos que esta primera experiencias del viaje a la luna, no era para nada sencilla y agradable (se desafiaba a la muerte).

Sin cometer spoiler alguno y empezando un poco por el final en el análisis de esta cinta, se puede concluir que si algo motivó a Neil, el terco deseo de continuar con un programa espacial más bien peligroso para su vida, era precisamente la ausencia de su primera hija, quien siendo todavía una bebé, había dejado de existir. Quizá solo así, con esta premisa, entendemos el héroe en toda su magnificencia.

Además, a pesar de ser un personaje a veces sobrio sobre sus ideas y pensamientos, el grado de empatía es absoluto, hasta el punto de convertirse en una seria tortura para el espectador, ante su serena decisión sobre su propósito en la vida (el viaje a la luna) y que vamos observando a lo largo del metraje. Cada una de las acciones de Neil estará dotada de esa disposición bondadosa inherente al personaje; incluso en el desenlace ya consabido por casi todos.

La película cargada de ansiedad y con un guion, de Josh Singer ("The Post", Spotlight), si bien plantea algunos aspectos biográficos del astronauta, el drama en su más pura expresión adolece, y todos creemos que estamos ante un héroe fuera de serie, y que el cineasta no lo eleva a exagerada exaltación en su tratamiento cinematográfico, como ocurre en otro tipo de filmes de esta naturaleza.

Y es que conocer lo que pasa en la mente del hombre enfrentado a la larga a la nada (siempre vemos el rostro de Neil) y sus mutismos y esos silencios en el espacio, dan la categoría de un manejo excelente del lenguaje y una puesta en escena ejemplar. Y es que, sin una lectura metafórica del filme, se puede concluir sobre la importancia del guion, donde se evidencia los estados de ánimo de los personajes.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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