Tár

 

Sin lugar a dudas, esta película representa es el triunfal regreso de Todd Field como director y libretista [no dudo en que podría ganar premios por su escritura fascinante en “puntualizar  sobre el personaje y la música”], quien debutó en el cine con la turbulenta “En la habitación” (2001) y no lo veíamos desde su cinta “Secretos Íntimos” (2006), dos películas que llevan al espectador a la incertidumbre y perplejidad. Me atrevería a pensar que “Tár” es así. Y además, con una Cate Blanchett, que no dudo ganará el “Globo de Oro” y si la nominan al “Oscar” creo que también.

No es una película difícil de juzgar, ni es para nada confusa, el asunto es que está ambientada en el universo de la música clásica y relata la historia de Lydia Tár [una de las mejores compositoras y directoras de orquesta de la historia]. Esto hace que los diálogos hablen sobre la composición de música clásica y por supuesto el arte de dirigir una orquesta, lo que la podría hacer la película un poco pausada en su ritmo y monótona para algunos espectadores, aunque si hay buena cinefilia, sería todo lo contrario.

Antes de continuar es importante y con base en la música de la cinta, traer el crédito de la música para el filme de Hildur Guðnadóttir. La compositora y violonchelista islandesa cargada de un talento supremo  y que coloca su partitura en cada fotograma con sabiduría no solo cinematográfica, sino rítmica y emocional. Ya lo decía Victor Hugo: “La música expresa lo que no puede ser dicho y aquello sobre lo que es imposible permanecer en silencio”.

Sobre el guion podemos escribir que es un muy trabajado, muy elaborado y fino. Cargado a su vez de escenas complejas y para nada indiscretas; otras intensas y largas, provocadoras y resplandecientes en lo musical y en lo emocional de los personajes. Todo esto irradia la gran autoridad de Field para referir una fábula y atraparnos Y es que resulta difícil apartar la mirada de la pantalla, donde no es dificultoso prestar atención e intentar de sentenciar tanta información. “Tar” una pequeña obra de arte en lo que refiere a la música para el cine y el filme con una actriz y personaje para señalar el valor humano y artístico de alguien a quien, sin duda alguna, habremos admirado y que ha flaqueado y fallado moralmente.

The Fabelmans

 

Los Fabelman (o Spielberg siempre Spielberg). Una película cargada de verdadera cinefilia, que según algunos informes de prensa es casi que autobiográfica, aunque no dudaría que podría ser la Steven Spielberg. Y es que a través de un niño llamado Sammy Fabelman y hasta llegar a ser un hombre hecho y derecho, evidencia su talento y derroche por el cine.

Y si bien parece que la historia (cargada de guiños cinéfilos y algunos cameos interesantes) pareciese mostrar el talento de un joven a través de su camarita de cine, todo confluye en el sentido de la vida por la pasión hacia lo que uno hace. Podría ser la película del año por muchas razones, pero podría ser también para aquellos que en alguna oportunidad lucharon contra viento y marea sobre sus aspiraciones personales. Respecto a la película debo enfatizar que:

Después de todo, lo que hace Spielberg en su reciente filme es yuxtaponer los elementos más personales de la historia —el trato entre Sammy y sus queridos padres, sus altos y bajos en el colegio, su primer amor, sus episodios filmando y editando cortometrajes con sus amigos, su primera visita al cine, y que casi ningún ser humano olvida.

Una película pues profundamente personal de Spielberg. Cuando los padres de Sammy (el Spielberg niño) lo llevan a ver su primera película, "The Greatest Show On Earth" de Cecil B. DeMille. Abrumado, es sin lugar a dudas esa semilla que germinará en el corazón del niño y una pregunta al espectador quizá. ¿Cuál fue la primera película que observaste de niño? Hablar más del filme sería cometer un pecado. Señalar lacónicamente que Spielberg aprovecha muy bien el roll de los niños y jóvenes protagónicos y quienes encarnan a los padres de Sammy: Michelle Williams, Paul Dano quienes brillan por su máxima realidad interpretativa.

Consiento tener algunos recuerdos sosegados a la hora de analizar “Los Fabelman”, pues además, soy cineasta, y asimismo disfruto los recuerdos de mi infancia [mi primer filme a los siete años lo vi en Maicao] y con las cámaras caseras de amistades y vecinos, y luego, de mi adolescencia. También, siempre he comentado mi seducción por Spielberg —uno de mis cineastas estadounidenses, desde que viera “Encuentros cercanos del tercer tipo”].  Spielberg es tan genial con su cámara y planos [donde ninguno está demás] que comunica en cada secuencia y en cada fotograma la pasión que profesa por el cine.

El epílogo es el que más me emociona del filme, pero no escribiré nada al respecto; solo diré que bien valió la pena observar las  más de dos horas y que debería ser suficiente como para justificar todo ese tiempo frente a la pantalla.

The Banshees of Inisherin

 

Pienso que los miembros de la asociación de prensa extranjera en Hollywood en esta ocasión no exageraron con la película “The Banshees of Inisherin” (“Almas en pena de Inisherin”, de Martin McDonagh, quien también escribió el guion y que está basada en su propia obra teatral) en nominarla a ocho “Golde Globe”. Es una película casi una obra maestra, que en una historia a la larga campechana, sobria y sin complicaciones dramáticas, nos pone a reflexionar sobre la amistad y la condición humana.

Y el filme si bien es para cometer spoilers, no da tregua para hablar de asuntos estrictamente cinematográficos, sino de lo que somos los seres humanos así estemos rodeados [o no] de afectos. Y sin que sea un viaje al sombrío proceder humano, para quienes conozcan a Hjalmar Söderberg y su novela “Doctor Glas” (1905), existe una cita como punto de partida a mi análisis. “Queremos ser amados, a falta de esto admirados, a falta de esto temidos, a falta de esto odiados y despreciados. Queremos suscitar en los demás alguna especie de sentimiento. El alma aborrece el vacío, y quiere tener contactos a cualquier precio (p.48).

Interesante película pues que en su discurso básicamente pone el dedo en la llaga al tratar decretar “donde está la amistad”, y de eso trata este análisis. En la medida en que se va desarrollando la idea trascendental de la cinta a través de dos habitantes [uno encarnado por Colin Farrell y otro por el actor Brendan Gleeson]  de una diminuta isla irlandesa y quienes han sido amigos íntimos toda la vida. Lo primero que surge de mi alma es si realmente existe la amistad conforme la concebimos hoy día, y como paradigma, además.

Esta es la reflexión final de la película y que dejo a su consideración. Y hay que empezar por mencionar a Sócrates. Para los insignes y nobles griegos, el hecho de tener numerosos amigos, en vez de ser un elogio o un distintivo de prestigio, era una sospecha de “debilidad del ser humano” [aunque usted no lo crea]. Acerca de este testimonio e ideología griega. Los “amigos” debido justamente a la imperfección del mismo ser humano, siempre están “privados de algo” y son —sin que sea un valor peyorativo—: no autosuficientes, truncados, imperfectos, ni buenos en sentido absoluto. Entonces, al observar en “The Banshees of Inisherin” a dos amigos de toda la vida, Pádraic y Colm. Uno de ellos [Colm] anuncia de repente que ya no será amigo de Pádraic y toma su “correcta decisión” [no obstante nos cueste creerlo emocionalmente] de dejar precisamente esa amistad [que según los griegos, insisto, establecida como posible causa de la fragilidad o debilidad del ser humano]. Pero esta contradicción argumentativa, nos lleva precisamente a valorar la necesidad de esa amistad [no serlo en un momento de la vida].

De todas formas, en la película Pádraic Súilleabháin (Colin Farrell), el más joven de los dos, es un tipo pacífico y humilde que no le exige mucho a la vida y le da textualmente eso a cambio. Para él, La amistad se relaciona con la virtud. “[…] la amistad es una virtud o algo acompañado de virtud” (Aristóteles, Ética a Nicómaco, 1995). De lo contrario. “[…] sin virtud no puede haber amistad bajo ningún concepto” (Aristóteles, Ética a Nicómaco, 1995). Una persona virtuosa es bienhechora, hermosa, y encanta a los demás.

Eso es lo que hace brillante a la película, que en nuestro interior nos obliga a revalidar nuestros conceptos sobre la amistad. Siempre he escuchado la frase “un amigo sincero”, y considero que resulta ser una tautología, pues el amigo de por sí debe serlo. La persona buena consigue observarse a sí mismo en su amigo, ya que ve en él un bien. Los amigos bienhechores son similares entre ellos por la naturaleza. Según Aristóteles, “una especie de segundo yo” (Aristóteles, Ética a Nicómaco, 1995). Un buen amigo, siendo “un segundo yo”, a la par “desea” serlo. Estamos pues frente a una tragicomedia enternecedora en la que el afán de libertad tolerante, pero testaruda de un hombre, libera una serie creciente de desagravios que solo pueden acabar en una inmolarse a sí mismo

 

“Avatar 2: el sentido del agua”

 

“Avatar 2: el sentido del agua” sobresale con creces en ese límite narrativo y sin descaros argumentales. Jake Sully (Sam Worthington) desde que recibiera el prodigio de Eywa en el “Árbol de la Vida”, su pareja engendró a tres hijos que son, de alguna manera; la rutina real del argumento de James Cameron [y también director], si bien sus padres también son parte de esa evidencia filial y existencial.

De manera que en esa relación de familia y de linaje, el director plantea una cuestión a la vez étnica en una gran epopeya ecológica en una audacia visual que magnetiza a un grado bastante abrumador al espectador. Pero el hilo que forja la historia de la película no es para nada escurridizo y apunta, además, incidentes como si fueran clips sacados de la galería de la imaginación más infinita, donde las circunstancias se vinculan y edifican con el flujo entre los estados de un genuino diario imaginario.

El hecho de haber sido creada la película para un formato de 3D, “Avatar 2: el sentido del agua” necesita de esa tridimensionalidad para contar varios asuntos a la vez, y por supuesto las decisiones de los adolescentes Neteyam (Jamie Flatters) y Lo’ak (Britain Dalton) para comprender a los Na’ vi. James Cameron logra una vez más esa alucinación de que todo lo que se ve es real: desde el sonido del viento y los susurros debajo del agua.

Pandora como un escenario maravilloso y justo, por la exactitud al narrar de forma esencial la rutina en el entorno; para Jake Sully y su nada quimérica vida con Neytiri (Zoe Saldaña) es un universo generoso. Y es que existe una condición emocional en algunos momentos de la película, que tienen el mismo sentido del idealismo y su delgadez por vivir la vida en Pandora. Los Metkayina con sus actos litúrgicos, tatuajes e inclusive su aspecto físico sutilmente distinto a los Na’vi Omatikayas, impresionan por su carácter. Son no solo la personificación de la vida marina de Pandora sino el ecosistema del núcleo familiar.

Al escribir un momento sobre la familia Sully (Jake, Neytiri y sus hijos). Dicha representación tiene un papel ideológico. Los filmes en este contexto crean un mensaje inteligible por medio de historias “que funcionan como analogía entre familia y Estado (Pandora en el filme). El padre representa al poder estatal como normalizador de la dinámica social. El  resto de la familia subordinados [en el mejor de los sentidos] a ese poder […]. Las películas [concluye la reflexión] reafirman las jerarquías que establece la sociedad patriarcal por medio de estereotipos y roles sociales muy definidos” (Mercader, 2018, p.2).

Pero si existe algo que accedería a explorar el guion de Cameron, es el fantasma de la colonización soez e inmediata. Además, comandado por el general Francis Ardmore (Edie Falco), un personaje que odia, si bien, no queda claro alguna sed de venganza (una extraña ambigüedad por la filiación en su relación con la vida misma y su hijo).

Para la segunda mitad de la película, el guion evidencia un nuevo brío. “Lo que está bajo el agua no tiene principio ni fin”, reitera Tsireya. Y las palabras de la joven no son solo la mejor forma de describir este reino sino que emociona  horizontes diferentes. Al final, la impresionante ofensiva a muerte en océano abierto; deja dos asuntos bien claros: los resortes de Cameron para contar desde varios puntos de vista y segundo, se siente identidad autoral para esta cinta monumental; pieza de arte con la rúbrica de James Cameron. Cuando como espectadores “pertenecemos a ese mundo observado” y que es un sentimiento del que nos impregna la película, es lo que puede devolvernos a las salas de cine. Por tanto los primeros  cineastas, tenían la razón.

Para el 2023: "Autómata" con Antonio Banderas

 

Al cine español no se le puede criticar que salga a pelearle el espacio al hollywoodense. En los últimos años ha producido géneros que en el país del Norte salen “con fritas”, como el de terror y la animación. Los resultados, si bien dispares, hablan dentro de todo de una pujanza -sobre todo en animación- y de afrontar los riesgos.

Con Autómata, Gabe Ibáñez -que viene del sector de los efectos especiales- es más ambicioso que coherente, y entrega un relato con mucho olor a Blade Runner y a Inteligencia artificial.

Un empleado de seguros de la compañía robótica ROC (Antonio Banderas rapado) debe investigar, en 2044, en una Tierra devastada, que sólo habitan 20 millones de personas, por qué un robot fue liquidado por un hombre, cuando éste lo descubrió arreglándose a sí mismo, algo que por un protocolo los androides tienen terminantemente prohibido.

Fuente: https://www.clarin.com/

NUEVO TRÁILER DE 'BABYLON'

 

Entre las películas más esperadas de 2023, está el nuevo proyecto de Damien Chazelle, 'Babylon'. En verano de 2019 se anunciaba que Brad Pitt iba a trabajar con el director de 'Whiplash' en esta nueva historia. Además, Emma Stone volvía a ponerse bajo la dirección de Chazelle para su nueva película. La expectación no se hizo esperar ante la noticia dado el buen resultado que tuvo 'La La Land'. Sin embargo, un año y medio después, se anunciaba que un año y medio después, Stone abandonaba el proyecto por cuestiones de agenda y Margot Robbie era la sustituta para el papel.

Con esa pareja protagonista, la temática centrada en el cine, concretamente en la llegada del sonido al séptimo arte y el director ganador de un Oscar a Mejor director en 2016, son muchos y muchas los que auguran que 'Babylon' será una de las películas de 2023.

A finales de 2019 Paramount anunciaba que acogía la producción de la cinta. Marc Platt, que ya produjo 'La La Land', es uno de los productores al igual que Olivia Hamilton, Matthew Plouffe y Tobey Maguire.

Entre el equipo se encuentran varios colaboradores habituales de Chazelle, como el compositor Justin Hurwitz, el director de fotografía Linus Sandgren, la diseñadora de vestuario Mary Zophres y el editor Tom Cross. Florencia Martín de 'Licorice Pizza' y 'Blonde' está a cargo del diseño de producción.  Fuente:fotogramas.es

'Infinity Pool' de cara a Sundance: Brandon Cronenberg vuelve a la ciencia ficción

 

 'Infinity Pool' está protagonizada por Alexander Skarsgård y Cleopatra Coleman como una pareja de vacaciones en la isla turística de La Tolqa que, gracias a Mia Goth, descubren una subcultura seductora y violenta más allá de los muros del complejo. El reparto incluye a Jalil Lespert, Thomas Kretschmann, Amanda Brugel, Caroline Boulton y John Ralston. Cronenberg también escribe el guión de la película. Karim Hussain, quien estuvo en 'Possessor', regresa como director de fotografía.

Fuente: https://www.espinof.com/