“Green Book”

Esta película nominada a la mejor en la ceremonia del “Globo de Oro” este 2019, en cierto modo me evoca al ya lejano filme “Paseando a la señora Daisy”, aunque en esta ocasión el chofer es blanco. Si esto es posible, entonces podemos diseñar varios aspectos que se pueden observar sin rigor alguno. Este filme dirigido por Peter Farrelly (“Algo pasa con Mary”), representa un viaje de felicidad a través de una exacerbación claramente estadounidense.

Por un lado el filme “habla” sobre la amistad sin fronteras, y esto sí que es bien importante hoy día, aunque la historia se sitúa en los años sesentas. Película pues con drama y comedia (música) que está destinada a ser un crowd pleasers (un tipo de película que procura deleitar a todo el mundo, pero elaborada con un presupuesto moderado). Visto de otro modo, sería ver temas y asuntos rigurosos (como la vida misma), pero su tratamiento cinematográfico siempre será amable.

“Green Book” (un par de vocablos que hacen referencia a las guías de viaje que enseñaba a los ciudadanos norteamericanos negros en qué hospedajes de los Estados unidos del sur podían pasar la noche) es una atractiva película con buenas emociones. A través de un sencillo guion (con buenos diálogos además), el filme se mantiene en una disposición autoral que adquiere su propio estatus y original, gracias a una relación emocional entre dos seres humanos y  (reitero) en clave de comedia entender que vivir es sencillo. Saber vivir es muy difícil.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Aquaman

Realmente no sé qué dirán los críticos de cine más exigentes, pero esta cinta es realmente una muestra de la capacidad de imaginación y buen quehacer de ese cine blockbuster y que entretiene mucho. Pero también es preciso señalar algunos criterios de este cine por supuesto de consumo, pero que no deja de asombrar por la puesta en escena de ideas, que antes de la dictadura de los algoritmos y ordenadores, era imposible realizar con tanta verosimilitud.

Una historia de superhéroes y criaturas (a lo H. P. Lovecraft) que dejan al más sencillo de los espectadores en un sentimiento de asombro y que a los más versados, ofrecer un sinfín de ideas para valorar bien o mal un cine destinado a mentes para no pensar nada durante un día.

Con el apotegma aparecido en el filme al comienzo: “Pon dos barcos en el mar abierto, sin viento ni marea, y, finalmente, se unirán”, de Julio Verne, permite en el prólogo de la historia, visualizar el encuentro entre la reina Atlanna y el sumiso encargado del faro, Tom Curry. Así que ahí arranca una historia para que a modo de Set Pieces (una escena o secuencia de escenas, una “mini película”, cuya ejecución requiere una planificación meticulosa)  recupere (al menos en apariencia) el tono de cine de aventuras antiguo, que no se veía desde Indiana Jones.

Los protagonistas de Neptuno, vigilado por la terrible criatura marina Karathen, que llevará a Aquaman hasta el trono de Atlantis para detener la guerra que los atlanos, batidos de la presencia de buques y  submarinos de guerra, es el interés marcado por un filme que no se debe descalificar a sí porque sí.  

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Mary Poppins Returns

Tomado como punto de partida el primer filme rodado en 1963, el filme tiene en un alto porcentaje, la misma estructura. Además (y hay que ser sincero) el casting en esta oportunidad no desmerita la que le precede y que todavía después de su estreno hace más de 50 años, aun es evocada por todas sus virtudes.

De manera que esta comedia resulta divertida y, apoyada en una dirección de arte perfecta (amén de la animación), tiene momentos realmente memorables. Cabe anotar, la especial aparición en la cinta de dos emblemas del cine mundial: Ángela Lansbury y Dick van Dyke en el tercio final de la cinta.

Respecto al asunto estrictamente cinematográfico, el cineasta Marshall ha sido casi milimétrico en conservar aspectos que permiten mantener no un recuerdo sobre su predecesora, sino un sentimiento de afabilidad y cariño entre los personajes de la historia (aun entre los “malos”). La historia de la familia Banks, formada por un recto banquero, su esposa y dos hijos pequeños, que protege en su anárquico hogar a una niñera (quien no recuerda la canción “A Spoonful of Sugar” de Poppins y los niños en la habitación) que procede del cielo y con paraguas en mano, para poner orden y quimera en el gris Londres de 1910.

Película pues recomendadísima y que con la diligencia y frescura del relato, captura a los niños de 2018 quienes, simplemente alcanzarán enchufarse con ese universo de fantasía y buenos emociones.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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THE SISTER BROTHERS

Jacques Audiard, el director de cintas como “Un profeta” y “De óxido y hueso”, cambia de género y se atreve con un excelente western que, aunque nos evoca a otros filmes del género, resulta interesante observar esta propuesta cargada de existencialismo entre dos hermanos de polos opuestos aunque una codicia en común: el oro ( y no estoy cometiendo un spoiler).

Lo primero que me viene a la memoria, es que de pronto y con base en la idea existencialista y de procurar ir a un final lugar del corazón para ambos hermanos, es la película “As I Lay Dying” basada en el libro “Mientras agonizo” de Faulkner. Cargado de algunos diálogos reticentes y de mucha reflexión en torno a la vida (y la muerte), “The brother sister” nos revelará en clave de road movie, que todos tenemos que transitar en este mundo, aunque (algún día) por obvias razones, ser enterrado bajo tierra.

Además, ambos actores protagónicos (Joaquin Phoenix,  John C. Reilly) logran que trascienda más natural al espectador todo lo que vemos y sentimos del viejo Oeste norteamericano. Película pues que explora la realidad del ser humano a través de dos hermanos que sin espejos que amplíen y cuantifiquen los misterios y recovecos del alma, tienen un valor perspicaz y de pronto transformador.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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ROMA

"Roma", es un drama profundamente personal del cineasta mexicano Alfonso Cuarón donde recrea parte de sus precepciones de un pasado no muy lejano para el talentoso cineasta. Varias cosas respecto a esta cinta que seguramente arrasará con todos los premios habidos y por haber en la industria del cine.

Con una cámara en constantes panorámicas y sin primeros planos, la historia a la larga de Cleo (una buena y sincera sirvienta) sirve para que el cineasta module (en contrastes emotivos para el espectador) sobre los asuntos y conflictos domésticos de un hogar de clase media mexicano en los años setenta.

Con una fotografía y puesta en escena impecable, la película de Cuarón y su gusto por la cámara a la hora de rodar largos planos, las actuaciones que escrutan trasferir autenticidad y los diálogos en los que las frases resultan a veces entrecortadas y expresiones muy coloquiales; estamos ante una obra maestra.

Y es que su incondicional apuesta por el ejercicio de estilo, nos lleva ante una pieza que procura remitirnos al mejor cine clásico, sin estar cargado de personajes ambiguos, sino que dejan ver “visiblemente” (que valga lo tautológico) sus auténticas intenciones, esgrimiendo atmósferas agradables en situaciones propias sobre la humildad del ser humano.

Cuarón utiliza muy bien la iluminación en blanco y negro, ofreciendo una obra visualmente elegante y a la vez sobria. Su punto más interesante es un guion que, sin búsqueda de sorpresas, deja que el público termine admitiendo a una Cleo para nada lerda.

Una historia pues de un personaje que se siente, y, una cinta que descansa más en la potencia de sus situaciones (rodadas sin necesidad de partir su estructura central: la relación de ella y la familia donde trabaja). Un filme sin metáforas y mucha reflexión.

Gonzalo Restrepo Sánchez.

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The Possession of Hannah Grace

“Cadáver” de entrada llena al espectador de sobresaltos. Ahora, si bien no aporta nada nuevo al género, al menos, asusta aquellos espectadores que visitan la sala de cine, solo para eso (morderse las uñas).

Y es que si existe un género vivito y coleando es el género del terror. Si bien todos sabemos que nada es real (aunque otros piensan lo contrario), la idea es asustarse. Como si la vida misma, no fuera a veces un género de “terror”.

La noción que salta a la vista de esta cinta, es un sentimiento de claustrofobia. Crea del terror y el hacer del funesto depósito de cadáveres, escenario de su trama, resultando un reflejo perfecto al género cinematográfico y al terror mismo.

La idea es que la morgue, en la cual yace un cuerpo poseído, mutante y diverso, hostigue (hasta límites inesperados y frenéticos) a la sufrida protagonista, para sentir en carne propia la falta de aliento en ese espacio, que no es otra cosa que la misma sala de cine.

Para la cinta colombiana, habrá que esperar el 25 de diciembre, para reír un poco forzado (al menos). Al menos es la fórmula que le funciona a Dago García (mucho paseos y que mueven la taquilla sin rodeo alguno).
Gonzalo Restrepo Sánchez
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ROBIN HOOD 2018

Sobre el tema de Robin Hood ha habido muchas versiones en el cine (y desde que el cine es cine). En esta oportunidad, su cineasta Otto bathurst ha puesto en escena, una de las peores sobre el personaje de marras.

Muy poco que rescatar de esta cinta, que más que recrear un argumento sólido, se encarga de llevar a la época de Robin, los aspavientos de situaciones y vivencias del presente siglo, donde nadie cree lo que realmente ve. Esta es la segunda franquicia que se aposta sobre los hombros del actor Taron Egerton (estrella de la saga “Kingsman”).

Para ser ecuánimes, cuando se trata de algo tan adaptado, pero lleno de clichés como en este Robin Hood del siglo XXI,  no aporta nada nuevo y arruina toda posibilidad de éxito. Y es que a pesar de toda su ambición estilística y sus bríos por hacer referencia a inquietudes modernas (la diatriba anteislámica del Sheriff de Nottingham), Robin Hood cae estrepitosamente debido a una distancia de lógica interna en la trama.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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