lunes, 4 de noviembre de 2019

"Le Mystère Henri Pick" ("La biblioteca de los libros rechazados")



Cuando se piensa en la filosofía cínica, viene seguidamente a la mente el nombre de Diógenes de Sinope, quien llevó sus manuales hasta su forma más extrema. Fue el autor de afamadas “travesuras” como transitar con una linterna en plena luz del día las calles de Atenas en “búsqueda de un hombre”. Si en el mundo existe  el cinismo a flor de piel, el cosmos editorial y algunos críticos literarios no se escapan a ello.



Y sí que este filme dirigido por Rémi Bezançon y, escrito por él y Vanessa Portal está basado en la novela de David Foenkinos; este escritor y músico francés a su vez se inspiró en una novela de Brautigan en la que narra a un bibliotecario  en Crozon que recogía todo libro rechazado por las editoriales —historias descartadas—, postergados al olvido y forzados a no ser publicados.

El texto audiovisual nos indica que el éxito —y el fracaso, aunque no me gusta este vocablo de cualquier obra artística— y la consecuencia que tiene en el autor —en su autoestima y su ego— son los semblantes más atrayentes a analizar. Aunque no olvidar que “lo que hagamos en vida tiene su eco en la eternidad”. También recuerdo una frase de Carlos Fuentes cuando señala que los primeros libros que se escriben son los últimos en ser editados.

Si así lo entendemos, el arte de escribir (qué y para quien) no es otra cosa que un pretexto de escribir y ser feliz en la intención de ello. Además y tal como lo escuchamos en el filme: “Un buen libro parece escrito para uno mismo”. El resultado de esta película si bien es una historia sin crímenes y de detectives —si se quiere ver así, y que permite el lucimiento del actor Fabrici Luchini como Jean Michel Rouche, no obstante nos "habla" de un autor literario que no existe. Esta idea madre es interesante y el cineasta lo resuelve con categoría y aplomo. 

Una película que les llegará (como a mí al no haber asistido al funeral de ninguno de mis libros), entendiendo que no se puede obligar a leer a la gente.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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viernes, 1 de noviembre de 2019

Terminator: Dark Fate



He tenido la oportunidad de ver toda la saga de “Terminator” (seis episodios) y pienso que esta es la mejor de todas y por muchas razones. Entendiendo que desde el comienzo hasta el último minuto posee una acción trepidante (y hasta a veces inverosímil), el filme recrea a través de la persecución que las obsesiones a veces no siempre funcionan, sobre todo cuando la finalidad es la de hacer el mal.


No debemos olvidar que esta es una cinta más para el entretenimiento. Que esta franquicia inaugurada en 1984, tuvo sus altibajos.Terminator: La rebelión de las máquinas” (Jonathan Mostow, 2003), “Terminator Salvation” (McG, 2009) y “Terminator: Génesis” (Alan Taylor, 2015), con retrospecciones de la acción que permitían evocar momentos claves del pasado y un personaje como Sarah Connor; lograban un plausible esparcimiento que pugnaba por mantener abiertos nuevos caminos en su mitología como tal.

Es de agradecer, por lo tanto, que el cineasta James Cameron resolviera darles una nueva oportunidad a sus personajes, erigiendo una nueva entrega de la saga que funciona como secuela directa, sobre todo, de los dos títulos dirigidos por él, y que sin lugar a dudas pueden formar parte de alguna antología del cine fantástico.

Volviendo al filme, no es una tarea fácil tanta acción sin que canse, y no lo es justamente porque a primera vista la trama no es para nada enrevesada. Los personajes (todos reconocibles ante los ojos del espectador) y por supuesto, muy a propósito arquetípicos. La beldad andrógina de Grace (Mackenzie Davis) y la excelente caracterización que la actriz ya había demostrado —otro rol biónico, en “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2017) —, resulta ser el primer y decisivo ángulo de esas mujeres fuertes que imprimen el protagonismo de la cinta.

Respecto a la chica colombiana que actúa (Natalia Reyes) luce muy creíble en su roll, vaticinándole muchos éxitos en el Hollywood al que muchos no llegaron. Un personaje con carisma latino y una expresividad en su rostro en los momentos más fulgurantes del filme, que le darán la oportunidad de continuar por la senda de la buena actuación.
Evocando la fotografía del filme —acorde al universo distópico—; la música y la ausencia de algún buen gag para descansar de tanta aprehensión, surge la pregunta: ¿Falta algo en su conexión con determinados espectadores? No, y además, el regreso de Schwarzenegger y esta vez como un T-800 —envejecido y libre de sus crímenes del pasado—, es bien recibido.

Sinceramente soy de los que pienso que no. Ya estamos —y existimos— cinematográficamente hablando a que cierto tipo de thrillers que albergue semejante cóctel de acción. El filme que nos ocupa, no nos sorprende desde el primer momento y sigue hasta el final sin necesidad de los abruptos giros de guion que hemos aprendido a observar en esta clase de relatos que comienza, valga la acotación: con una Grace, una híbrido de cyborg y humano.

Se puede concluir pues, que “Terminator: Destino oscuro” cumple las expectativas del espectador más desenfadado ya que todos tenemos presentes el “I’ll be back”, el “Sayonara Baby”, las secuencias de acción, los efectos especiales y por supuesto Sarah Connor y su hijo.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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miércoles, 30 de octubre de 2019

The Addams Family (2019)



Esta nueva versión de “La familia Addams” intenta aproximar al clan y a su personal mundo al revés desde una apariencia que recuerda a los filmes de Tim Burton, gracias a una urbanización retratada sin llamar a ninguna puerta. Faltando un poco más esfuerzo en la puesta en escena, en nuestras manos no queda más que examinar el contenido de la historia y hacia la que esta deriva.


Con un reparto de lujo, en 'La Familia Addams' se escucha la voz de Charlize Theron —interpretando a la mítica Morticia—; Oscar Isaac —da voz a su marido Gómez—. Pugsley es Finn Wolfhard el encargado; y apuran las voces de Chloë Grace Moretz en el personaje de Miércoles; Nick Kroll como Fétido y Bette Midler como la Abuela. Todos ellos a la orden de unos personajes reconocibles.

Volviendo a la evaluación del filme, en ningún momento su realización nos aburre, y la sucesión de secuencias de esta loca familia se percibe sin desgano, aunque haya poca cabida de sorpresa en su narración. La historia tiene su gracia —aunque sea mínima— y, más si la protagonizan ese tipo de personajes que hemos aludido en el párrafo anterior y que conocemos cinematográficamente hablando.

Pero más allá de esta consideración, hay poco espacio para la invención y para tropezar otro tipo de aciertos que permitan que el resultado sea más memorable. En otras palabras, esta reciente versión de la familia Adams va sobre lo seguro y “sabe” lo que hay que utilizar para obtener el efecto deseado: el entretenimiento.

Pero llegados a ese punto en que estamos tan acostumbrados a ellos,  reitero que apenas destaca esta nueva propuesta. Y esto principalmente puede ser decepcionante para una apuesta donde, las ilustraciones originales de los Addams —dotadas de rítmico movimiento— no se pueden perder nunca de vista, sobre todo esa especie de picardía 'freak' tan peculiar. ¡Por aquello de ese humor negro a partir de criaturas siniestras!

Gonzalo Restrepo Sánchez
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Maleficent: Mistress of Evil



De gran impacto visual, esta cinta recrea todos los conceptos y estructura del guion cinematográfico archi conocido para levantar el interés de los jóvenes y niños. Film nada desdeñable desde este punto de vista y el espectáculo que suscita.


Han pasado cinco años desde que Angelina Jolie tomó el roll de Maléfica, reinventando a una villana bien refinada, evocando de alguna manera la mujer deshonesta del clásico de la “Bella Durmiente” de Disney para toda una nueva generación. Su continuación en “Maleficent: Mistress of Evil”, es un  ensayo definitivo —más allá de una inspiración de cuento de hadas— sobre el bien y el mal, y, traer sobre todo nuevos personajes convincentes, aunque de pronto el relato en sí tiene altibajos en su ritmo.

El director Joachim Rønning tiene un “touch of class” cuando trata de visualizar estos mundos casi inimaginables de Maléfica, a través de los nidos subterráneos de Dark Fae y, hacia los cielos sobre el majestuoso castillo de Ingrith. Donde la película  adquiere de todas formas más interés, puede ser en ese cuento de hadas que mora en la historia, a veces imaginable.

De todas formas, una historia hilada —al fin y al cabo—, a partir de invariables referencias visuales, sobre todo: el palpitar del corazón ante un entorno oscuro, que se da a un cierto espíritu animista y que, si lo tomamos literalmente, termina por asociar la relación entre Maléfica y Aurora con un estricto «misterio» cósmico.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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Cine colombiano: Me Llevarás en Ti


Esta cinta colombiana del escritor y director Iván Obando que lleva por título “Me llevarás en ti” (basada en la composición del músico Jorge Villamil y que hiciera famosa en su época el dueto Garzón y Collazos), es una propuesta quizá única en el cine colombiano en lo que atañe a la dirección de arte.


Tomando como referencia la vida del antioqueño Gonzalo Mejía —un emprendedor antioqueño detrás del nacimiento de la Sociedad Colombo-Alemana de Transportes Aéreos (Scadta) que luego se transformó en Avianca y de Cine Colombia, entre otras grandes firmas empresariales—, la historia en sí se centra en los amores prohibidos.

Si bien la realización cinematográfica es perfecta, se intuye que algo pasa en su estructura rítmica. Pero no por ello deja de ser un excelente trabajo, de factura. Si bien como señala Blaise Pascal “El universo es un círculo cuyo centro se encuentra en todas partes y la circunferencia en ninguna”; el cineasta en su debut con los movimientos de la cámara como mecanismo para la transición desde los códigos del drama —verista— pasando a su vez por el imaginario paisa, por momentos evidencia más un Romanticismo existencialista que una imagen de contenido.

No obstante, la médula de la película, se desarrolla en la transferencia entre estratos con el merodear de la cámara entre dos realidades —la de Gonzalo, falto a veces de expresividad y la de Isolda, todo lo contrario —y sin ese primer plano, fecundo en el rostro de las actrices— y sin embargo a priori y contiguas: en lo cotidiano un drama arraigado y, los momentos de comunión existencial.

Y es que con el establecimiento de esta propuesta entre universos —una cósmica y la otra íntima, si se quiere ver así—, sin estar cercano a cierta espiritualidad a ningún otro cineasta colombiano, Obando pone la primera piedra para una película que le abrirá las puertas a muchas otras.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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viernes, 11 de octubre de 2019

Gemini Man




Un thriller de acción  Gemini Man” donde su director (el prestigioso Ang Lee) realiza un filme que a pesar de su acción trepidante, esta muy distante de sus cintas predecesoras prima la expresividad e intensidad visual. “Gemeni Man” (filmada en varias locaciones del mundo, entre ellas Cartagena de Indias, Colombia), tiene un guion frágil, donde revela la falta de cuidado en algunos asuntos dramáticos que no comentaré por evitar el spoiler.  



Una obra menor a mi juicio en la filmografía de Lee donde las imágenes de este filme —rodadas a 120 fotogramas por segundo—, resplandecen con una definición ajustada y apoyada en el uso del 3D. A la larga un fallido afán del cineasta por dotarla de una “atmósfera” muy particular. El director se persevera hasta lo inenarrable para obtener de la iluminación, el uso del color y otros aspectos de la tecnología actual, un cine o un thriller de fantasía.

De manera pues que estamos ante un guion un tanto flojo, que nació hace muchos años —en 1997 en Disney— donde los efectos digitales para poder llevar a cabo la cinta ni siquiera existían. La idea que un mismo actor caracterizara los dos papeles principales, no obstante que el joven Junior, fuera creado en su totalidad por CGI (1) —del mismo modo que han sido creados de cero los animales que hemos visto en la nueva versión de El rey león—, gracias a la técnica de la captura de movimientos o motion capture.

Las imágenes generadas por computadora o por ordenador (CGI del inglés Computer-generated imagery), son la consecuencia de la aplicación de la infografía y, más concretamente, de los gráficos 3D formados por el computador en el arte, los videojuegos, las películas, los programas y anuncios de televisión y animaciones.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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Gisaengchung (Parasite). Palma de Oro Cannes 2019




La cinta galardonada en Cannes “Parásito”, dirigida por el surcoreano Bong Joon-ho (“Okja”, “Memories of a Murder”) nos permite ver con gran maestría como confronta una Corea del Sur que por un lado habita una burguesía espléndida —que disfruta de todos los beneficios de un país próspero— y, los olvidados (no a lo Buñuel) de la sociedad: pobres que para poder subsistir tienen que arreglárselas —el filme comienza cuando Gi Woo (Choi Woo Shik) que vive en el bajo de un edificio, trata de encontrar un rincón de su cuartucho, en el que pueda conectarse a la línea wifi gratuita de algún vecino del edificio. Los Ki-taek viven en una zona pobre de Seúl.


A través de la hipótesis sobre las representaciones sociales (de pronto en occidente), se observan intentos de avanzar hacia la discusión de conceptos teóricos donde el paradigma de las representaciones sociales se vincula de manera implícita al concepto de imaginario (Arruda-De Alba, 2007). Y es que si bien el filme a través del contraste entre una familia pudiente y los Ki-taek, quienes no lo son —con todas las aflicciones que cada nivel de la familia puedan vivir—, el cineasta sin rodeo alguno deja también la idea de quienes son los parásitos en una sociedad dada.

Si bien el cineasta en el último tercio del filme conduce a la locura en un violento y tétrico tramo final en el que creemos que cualquier cosa es posible —nada de lo humano me es ajeno—; su logro mayor y realmente sorprendente de un cineasta asociado hasta ahora al cine fantástico, es el de  introducir un subtexto de denuncia y advertencia social en su propuesta.
Para quien el imaginario supone esquemas diferentes que actúan siguiendo el principio de la equivalencia y se expresan mediante imágenes simbólicas creadas de manera dinámica como giro argumental, brotan interacciones entre las pulsiones y lo social en una sátira irreverente.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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