Les chevaux de Dieu (para volver a ver)

En la historia del cine, todo se ha contado. Lo único que permanece abierto y renovable es la formar de contar. Y si intentamos buscar cual es la tesis que más ha tocado el cine, sin lugar a dudas el tema del amor (en todas sus variantes). Y es que el amor bien lo merece, pues es y será el origen de todo en esta vida.

Sin embargo, no hay día en que las noticias internacionales no dejan de señalar bombas humanas y atentados en el mundo islámico. Parece una historia de nunca  acabar y el cine no se ha quedado atrás en este sentido de mostrar esa realidad. Ya en su momento el cineasta Peter Greenaway (“Drowing by numbers”) decía que “el cine ha de servir para mostrar algo más que historias” y en muchas ocasiones para estos temas lo ha asumido a cabalidad.

En este contexto, sería necesaria entonces (como insinúa Debray en su texto “Vida y muerte de la imagen”) una historia de la mirada que conjugue a su vez: una historia del arte (que se ocupe de las técnicas de fabricación), una semiología (que se ocupe de los aspectos simbólicos) y una historia de las mentalidades que se dedique a pensar el papel que ocupan las imágenes en la sociedad), (Arango y Pérez, Anagramas, Volumen 6, Nº 12, pp. 129-140)

Y esto viene a colación ante la pregunta si existe alguna película al respecto, es decir, cuáles serían los filmes para estudiosos del conflicto islámico. Se me ocurre en esta instancia, traer a colación “Los caballos de Dios” (1912). Una película dirigida por Nabil Ayouch, donde el director francés de origen marroquí nos introduce en ese atroz cosmos.

Pero lo hace a través de la mirada de dos hermanos, quienes desde su juventud aprenden a administrar irreparablemente signos que impone —y parafraseando el título de un filme— la ley de la calle, hasta caer en las garras yidahistas, donde son despojados de cualquier tipo de ideas y sentimientos hacia el mundo en el que viven (entre otras cosas marginal), para ser la raíz del fundamentalismo islámico. Y es que […] ciertamente cuanto menos se impone la imagen por sus propios medios, tanto mayor es su necesidad de intérpretes que la hagan hablar. ´para hacerle decir lo que no dice y lo que no puede ni debe decir´. The less you have to see, the more you have to say” (Karlen, anne-marie. En: Debray, 1994, 48).

Esta cinta basada en la novela “Les étoiles”, de Sidi Moumen, “Las estrellas” es el nombre de un barrio marginal de Casablanca, donde la abyección de jóvenes sin futuro, juegan al fútbol con el deseo más profundo de ser algún día estrellas del balompié. Y es que en este cosmos de la exclusión social y abyección, vemos seres que transitan a la larga en callejones sin salida.

Silver (1994) formaliza una descripción bastante clarificadora sobre la evolución del término exclusión social. Arguye que el discurso de la exclusión comenzó a debatirse en Francia durante el decenio de 1960 para formular referencias vagas e ideológicas a los pobres, hablando de los excluidos (v.g. Klanfer, cit. en Silver, ibid.) y cómo el concepto de exclusión no llegó a difundirse mientras no sobrevino la crisis económica. Asimismo describe cómo durante el decenio de 1980 la noción fue utilizándose gradualmente.

Pero volviendo a la película “Los caballos de Dios”, si bien observamos un relato a la larga sobre la pérdida de la inocencia y la manipulación religiosa, luce lleno de fuerza poética y simbólica, funcionando en cierta medida como una metáfora social de ese mundo yihadista.

Pero también, y en esto del cine como un arte para mostrar realidades, vale la pena traer a colación al filósofo francés Deleuze, cuando reclama precisamente para el cine: una reflexividad específica, postulando una “conciencia-cámara” que ningún cuerpo puede encarnar: “la única conciencia cinematográfica no somos nosotros, los espectadores, ni el protagonista: es la cámara, a veces humana, a veces inhumana o sobrehumana” (Deleuze I, 2005: 38).

A modo de conclusión pues, película altamente recomendada y dolorosa y, para traer a colación otro punto de vista; cabe enfatizar y como lo escribió en su momento el crítico de cine Luis Martínez del periódico “El Mundo”, de España: 'yihadismo' no es tanto una excepción, una consecuencia sucia de la ideología, la religión, la fe o el simple fanatismo, como el punto de llegada de unas vidas condenadas a la miseria. Eso es lo que nos quiere explicar “Los caballos de Dios” con su mirada de antropólogo. De todas formas, usted amable lector, tiene la última palabra.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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l La Fille Inconnue

De pronto la investigación sobre el asesinato de una prostituta africana origina la idea central de lo que sería el filme, pero ese crimen no es más que el pretexto argumental.  Ahora, no es la primera vez que el cine de los hermanos Dardenne galantea con los signos de género. En algunos pasajes de “El niño” (2005) y en “El silencio de Lorna” (2008) son dos cintas a valorar al respecto.

De todas formas, es a través de Jenny (no le abre su consultorio a la prostituta porque ha cerrado hace una hora su consultorio) que se genera toda la ideología del filme ya que ella, y su actitud, marca su irreprochable conducta, planteando argumentos éticos del comportamiento humano. Y es ahí cuando encontramos en nuestra mente la evaluación acerca de los sentimientos de culpa (y más si el personaje principal es médica).

Historia pues buena en el sentido de equilibrar la balanza sobre el tono de la cinta y su “suspense”. Y es que al final de todos nuestros actos, siempre (digo siempre) los sentimientos de responsabilidad marcan el derrotero de nuestras conductas posteriores. Esa proyección de sentimiento de culpa, estaría sujeta a los contextos, que para este caso del filme europeo, se inclinaría hacia el tema de la inmigración.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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SOLO EL FIN DEL MUNDO

El principio siempre coincide con el final y el final siempre es un nuevo principio. Eso afirman antiguos pensadores sobre el carácter cíclico del tiempo y eso mismo, nos atrevemos a decir, es lo que asume Xavier Dolan con su último drama; dejándonos claro, una vez más, nuestra insignificancia frente a este paradigma dimensional (El tiempo) que a veces nos encierra y nos asfixia en un espacio que parece perturbador.
Sorprende, en primera instancia, que haya tardado 4 años en asumir la idea de querer hacer la película, después de que la actriz Anne Dorval le haya recomendado la obra, pieza del francés Jean-Luc Lagarce. En sus propias palabras, Dolan dice “El tiempo tiene sus maneras de actuar, y como casi siempre, Anne tenía razón”. Y seguramente este film llegó cuando tenía que llegar, después de 5 magistrales películas que le dieron reconocimiento en festivales y tal vez, la madurez para adaptar una obra en la que se propuso conservar el lenguaje.

Como dice la frase y el párrafo inicial, este film es un retorno inevitable y una obra del tiempo. Tras doce años de ausencia, Louis -un escritor- regresa a su pueblo natal, guiado en parte por la nostalgia, para anunciarle a su familia que se está muriendo. Mientras intenta recuperar los vínculos con su entorno familiar, los conflictos se desatan alimentando discusiones y rencores.

Lo que primero sale a la vista es la fortaleza de los personajes, tan teatrales como reales, capaces de representar en espacios pequeños la disfunción de una familia, la ligereza en la que se pueden convertir las relaciones biológicas y humanas. Como si el tiempo lo destruyera todo. Así mismo, y siendo coherente con el conflicto del drama, remarca la idea de lo familiar y extraño, asumiendo la llegada de un nuevo integrante, Catherine (Marion Cotillard), que sin mucha voz parece estar más cercana a la familia que el hijo exiliado y que a su vez, nunca deja de ser extraña; razón posible de que llegue a ser la cómplice cercana de Louis, el protagonista. 

Dolan pone en conflicto las relaciones, donde a veces la sangre no es motivo de un vínculo armonioso. Y es que la película es en general perturbadora y conflictiva, lo cual hace que Xavier se mueva en constantes dicotomías: Familiar- Extraño; Silencio-Gritos, Pasivo- Colérico. Dicotomías que llevan al espectador a una sensación de emociones fuertes, a una experimentación constante de sobresaltos emocionales.

La dirección es precisa e inteligente. Se adentra en esta lucha con primeros planos que asfixian, la cámara literalmente encierra, ofrece claustrofobia y caos. Los espacios son oscuros, siempre en interiores. Es un encierro que oprime y presiona la respiración. Es también una invitación a huir de allí, a buscar espacio y libertad, a vincular al espectador con el drama.

Finalmente, Dolan mata cinematográficamente el espacio y le da vida al tiempo. Reflexiona sobre su movimiento y su vida más que viva, en donde muchas veces nosotros nos quedamos suspendidos, muertos. Lo único que tiene sentido es el aquí y ahora y debemos entender que cuando hablamos de tiempo hablamos de cambio; y que por más que queramos, no existe un momento igual a otro.

Solo el fin del mundo estuvo nominada al Palme d´Or en Cannes 2016, ganó el “Grand Prize of the Jury” y el “Prize of the Ecumenical Jury”, Tiene además otras 17 nominaciones.

Por Leandro cruz Parrado

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LA MUJER DEL ANIMAL

"No hay animal que no tenga un reflejo de infinito; no hay pupila abyecta y vil que no toque   relámpago de lo alto, a veces tierno y a veces feroz”.

Victor Hugo, “La leyenda de los siglos”.

Se estrena después de un largo proceso, La mujer del animal (Víctor Gaviria, 2017), del cineasta antioqueño Victor Gaviria. Más que hablar de este filme y su trama (deja exhausto hasta el menos desprevenido) por el contenido brutal y abyecto de la historia y sus personajes, remitiré al sentimiento que prioriza a lo largo de dos horas, no sin antes reconocer que es una obra, si no menor en la filmografía del autor, no culmina las ambiciones de las que le preceden y que lo hicieron famoso.

"La muerte vive una vida humana, dijo Hegel. Esto es cierto cuando no estamos enamorados o en análisis", dijo Julia Kristeva.  Y es que para hablar de la abyección y el amor, la filósofa  sostiene que “una de las mayores infelicidades en la sociedad occidental  —revela— es el individualismo, que nos hace negar el amor y la solidaridad. Nuestra sociedad carece, además, de código amoroso”.

En La mujer del animal al debatir una trama que deja exhausto a todo el mundo por su contenido brutal y abyecto de la historia y sus personajes, la emoción que prevalece es la infelicidad y la miseria humana; donde el rudo de un personaje como Libardo, agravia a su mujer Amparo —que en la vida real es Margarita, una muchacha que a los 18 años se escapó del internado donde estudiaba—. Aunque detrás de tanto ultraje, el personaje confronta el miedo como resultado de tanta abyección.

Así que eso es esta aterradora historia: Una fábula sin códigos amorosos. Y es que retomando a Kristeva, considera que “aquello que perturba una identidad, un sistema, un orden. Aquello que no respeta los límites, los lugares, las reglas. La complicidad, lo ambiguo, lo mixto. El traidor, el mentiroso, el criminal con la conciencia limpia, el violador desvergonzado, el asesino que pretende salvar ... Todo crimen, porque señala la fragilidad de la ley, es abyecto”, pero la transgresión planeada, la muerte socarrona, el desagravio hipócrita lo son aún más porque acrecientan esta “exhibición de la fragilidad legal”.

Y es que para para dejar ver una voluntad de autodestrucción, estos arquetipos —frustrados o perdedores— y aparte de contextos culturales; el cine colombiano parece haberse atiborrado de ellos para revelar una voluntad de autodestrucción. En el filme Satanás (André Baiz, 2007), las historias articuladas de tres personajes —una chica que ayuda a estafar a hombres ricos, un cura agobiado por su sexualidad y el caso del ex-soldado del Vietnam, Campo Elías Delgado, llamado Eliseo para el cine— están descritas con mano firme y una decidida apuesta por evitar odiar o adorar a los modelos actanciales, quienes desde el principio, el fatal latido de la desgracia se vislumbra. 

Resulta un tanto difícil introducirse en cómo proceden las emociones en la disposición de lo abyecto en unión a la corporalidad. Sin embargo, desde el punto de vista del psicoanálisis esa configuración se advierte —entre muchos otros filmes— en El lugar sin límites (Arturo Ripstein, 1977) y Perfume de violetas, nadie te oye (Maryse Sistach, 2000). La experiencia emocional libidinal, la motricidad o la base fisiológica, no es la única causa que influye en nuestra percepción e imagen del cuerpo. Es a través de la relación con el otro y la emoción que éste expresa y suscita en mí.

La idea a concluir y a modo de contra ejemplo sería: Y es que si el individuo ha nacido para vivir en sociedad y afirmando que el principio de supervivencia personal y de la especie es propio del orden natural, necesariamente dos personas —hombre y mujer— deben relacionarse para poder sobrevivir. Es indudable que la parte más cercana de estas relaciones es la familia y luego el resto de la sociedad. «Una de las preguntas más esenciales a propósito del mundo social, es la de saber por qué y cómo ese mundo perdura, persevera en el ser, cómo se perpetua el orden social. Es decir, el conjunto de las relaciones de orden que la constituyen» (Bourdieu, 2006: 31). 

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Vivir de Noche

Este reciente filme de Ben Afleck (actúa y dirige) es una historia correcta en su exposición y guion. En ella vemos fundamentalmente la vida de un gánster y toda su vida emocional y perversa de alguna manera. De manera que a modo de crónica (la historia arranca en 1917 en un flash back) el personaje principal lidia entre mafias para el poder, pero el caos es lo que prevalece en sus opciones.

Podemos decir el el primer tercio del filme podría ser un prólogo del personaje Joe Coughlin sobre su amor, y sobre cómo nace su sed de venganza. Este prólogo sirve para anunciar lo que vendrá más  adelante. De manera que por momentos trepidante (asaltos, persecusiones, etc,), esta historia y su idea base no decae, ante un personaje y su condición de un hombre bueno a la larga, pero que las circunstancias son las que mandan.

Es evidente que este filme toma los tópicos de la serie negra con éxito y es un buen referente en este sentido para recordar que el género siempre está vivo. Desconociendo por qué el filme no ha sido exitoso en la cartelera, bien valdría la pena reflexionar si es que este tipo de filmes, ya está un poquito fuera de lugar, porque a mi juicio el cineasta logra controlar el tempo y su empatía narrativa.


Gonzalo Restrepo S.
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El filme boliviano "Viejo calavera" gana mejor película en Ficci 2017

En este tipo de certámenes sobre un cine de autor, es difícil saber cuál ganará. Y aunque sorpresa para muchos, la película boliviana "Viejo calavera" del director  Kiro Russo, ganó hoy la competencia oficial de ficción y se llevó la estatuilla "India Catalina" al mejor filme de esta 57 versión del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI). Una película oscura dentro de las montañas bolivianas  para acercarnos al mundo de los mineros y sus realidades reales.

En este sentido a través del joven Elder se teje el destino como concepto. Esa es la premisa narrativa discursiva. Idea que se refuerza con la escasa luz en las tomas, pero que el tono y el propósito del cineasta es lograr sentir que estamos en las profundidades de la tierra (que es vida y que es muerte).

Pienso que a modo de falso documental (que no le resta su importancia y mérito) el cineasta logra el retrato de unos personajes rebosantes de autenticidad que acompañan a través de sus trabajos sus encrucijadas vitales. No obstante, la película lejos de ser la octava maravilla del mundo, más que una fábula compleja, lo que brinda es un retazo de vida de unos seres humanos que en el fondo tienen toda la razón del trabajo que llevan a cabo. Tan sincero como agridulce, estamos ante un cine independiente, tocado por ese encanto innato de los cineastas jóvenes por decir verdades.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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Ah-ga-ssi (The Handmaiden)

Si tuviéramos que elegir una película en esta edición de FICCI 57 como la más sobresaliente, sin lugar a dudas sería este filme de Park Chan-wook  (“Oldboy”), donde pone el hasta bien alto. Y es que a modo de thriller erótico el cineasta  en “Ah-ga-ssi” redondea su historia con un relato donde los juegos eróticos de Eros (y perdón por la tautología) es el protagonista en medio de personajes malditos (si se quiere ver así).

Y es que Sookee (contratada como criada por una rica mujer japonesa llamada Hideko)  y su cuerpo, se presenta como el cuerpo imaginario del deseo a través del placer (y del crimen), mientras que en el personaje masculino se asienta en evidencia otro guía de cuerpo del deseo, como pasión (juegos eróticos) y memoria.

De gran concepción pictórica, estamos pues ante una película seductora sobre un retrato enfermizo de unos personajes por lograr sus malevolencias (metafóricamente hablando) mediante un acercamiento conceptual de la gramática cinematográfica ante los conceptos de trazo perfecto sobre el amor, el nudismo y el sexo (eludiendo la pornografía) diseñados en tres momentos del relato, para que ese narrador en tercera persona nos muestre su naturaleza y belleza.

Gonzalo Restrepo Sánchez

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